cinespaço

The Walking Dead - 2ª Temporada (parte 1)

2012-01-12T04:04:00.000-08:00

Criador: Frank Darabont

Baseado no grafic novel de Robert Kirkman

Spoiler alert!

Depois da impecável Primeira temporada de apenas 6 episodios, The Walking Dead continua acompanhando a saga de um grupo de humanos sobreviventes de uma epidemia que transformou quase toda a humanidade em zumbis que se alimentam de carne humana e de outros animais. Baseado no grafic novel de Robert Kirkman, a série é um ensaio sobre o comportamento humano em condições extremas e as formas que este comportamento pode assumir no âmbito religioso, intelectual, social e emocional na vida daqueles personagens.

O roteiro desta segunda temporada (parte 1) se concentra na busca da garotinha Sophia que desapareceu e na chegada do grupo à fazenda de Hershel onde Rick pede socorro depois que o seu filho foi baleado por acidente.

Os questionamentos envolvendo a persistência na busca da garota ou a desistência da mesma rendem muitas discursões interessantes e traz à tona o conflito entre as personalidades de Shane e Rick, que mesmo sendo tão amigos, tem formas tão diferentes de ver o mundo depois da epidemia e até mesmo antes dela, como mostra uma conversa entre os dois relembrando os tempos de high school de ambos. Outro conflito muito interessante e relevante para a história (que eu já estava sentindo falta na primeira temporada) é a forma como Hershel e os moradores de sua fazenda vêem os errantes: não como simples mortos vivos a procura de alimento, mas como pessoas doentes que devem ser preservadas até que se encontre a cura. E isso é revelado de forma chocante, quando descobrimos que o celeiro da fazenda está repleto de errantes, incluindo amigos e conhecidos de Hershel e principalmente sua esposa e seu enteado.

Fica clato a diferença de interesses entre Rick e Hershel. Enquanto o primeiro quer um lugar livre de zumbis onde ele pode viver tranquilamente com sua família, o segundo nutre a esperança de recuperar a parte de sua família contaminada e pensa que os errantes devem ser tratados como humanos, e não mortos vivos que devem ser aniquilados. A racionalidade de Rick entra sempre em confronto com a religiosidade de Hershel, e um, de certa forma, acaba influenciando o outro, visto que o interesse de ambos é o mesmo: viver feliz em família. Mesmo que o sonho de Hershel, e até mesmo de Rick, pareça impossível naquela realidade.

O maior mérito dos roteiristas, diretores e produtores é criar uma linha narrativa contínua para o seriado. Não temos uma deixa no fim de cada episódio que leva o espectador a ter vontade de assistir ao próximo, como acontece com muitas séries, e o que soa desonesto pra mim. A história simplesmente transcorre através dos episódios, e se ela prende a atenção é porque é interessante, honesta e importante por si só, não por causa de recursos narrativos batidos e inaceitáveis nos dias atuais numa série dramática deste nível.

Os personagens e seus dilemas são tratados de forma imparcial e humana, nunca pendendo para uma forma de pensar ou analisar a situação. Vide a mulher que descobre que está grávida e fica em dúvida se quer ou não ter a criança naquele mundo, ou o homem que se vê obrigado a matar um companheiro para salvar a sua própria vida e a do garoto Carl, ou Rick e seu dilema de liderar o grupo a buscar a gartotinha Sophia ou não; assim é com todos os personagens e situações. Por isso a série é um ensaio sobre o comportamento humano; assim como o filme do mesmo produtor/diretor Frank Darabont O Nevoeiro e o filme de Fernando Meireles Ensaio sobre a cegueira. The walking dead consegue ser ambiciosa quase ao nível cinematográfico desses dois títulos, só não o é pelo fato de ser uma série de TV e estar limitada ao que a linguagem de TV exigue. Mas ainda assim, The walking dead é uma das séries cinematográficas que estão no ar atualmente nos EUA, e forma ao lado de Dexter, as duas melhores que eu assisto.

O desfecho do sétimo episódio é o clímax que estava sendo preparado nos seis episódios anteriores que amarra a história e a deixa coesa, dando ao espectador a impressão (verdadeira) de que nada que aconteceu ao grupo foi por acaso. Tudo levou àquela conclusão. Agora só cabe morrer de curiosidade pra saber o que aquele terrível fato causou no grupo e o que está por vir.

Nota: 10

Imortais (Immortals)

2012-01-06T03:08:00.000-08:00

Imortais (Immortals) – EUA – 2011

Direção: Tarsem Singh

Roteiro: Vlas Parlapanides e Charley Parlapanides

Depois do fraco Fúria de Titãs e do péssimo Conan, o Bárbaro, esse também mediano Imortais sofre influências desses dois e também do ótimo 300, dirigido por Zack Snyder, mas Tarsem Singh jamais consegue alcançar a qualidade e ambição da narrativa de Snyder em 300 e muito menos o seu apuro visual, fazendo com que Imortais seja m espetáculo visual interessante e um filme de ação razoável, mas sem coesão artística.

Para se vingar dos deuses Olímpicos responsáveis por sua queda e declarar guerra à humanidade, o titã Hiperião (Mickey Rourke) procura pelo Arco de Édipo que lhe permitirá libertar os outros titãs. Um camponês chamado Teseu (Henry Cavil) escolhido e treinado por Zeus (Luke Evans) entende sua missão e lidera seus homens para proteger sua terra e seu povo de Hiperião.

Com essa premissa que faz uma miscelânea da Mitologia Grega e seus Deuses (o que qualquer um pode saber com o seu raso conhecimento do Ensino Médio sobre assunto) essa mistura não seria um problema, visto que o filme não é uma adaptação de um livro ao qual ele deveria ser fiel ao tom e ao estilo, mas sim baseado em uma “religião” antiga e um conjunto de histórias e lendas. O problema é que Teseu e a saga que ele enfrenta depois de perder sua família (sua mãe que era tudo o que tinha) não convencem e não emocionam. Algo tão básico como vingar a morte de sua família deveria interessar qualquer ser humano e causar identificação (como em Kill Bill, Gladiador, etc), mas aqui isso não acontece. Assim como não acontece em Fúria de Titãs. Esse é o maior defeito do filme, partindo do princípio de que para nos envolvermos com a história precisamos nos interessar e torcer pelos personagens. Além disso, o romance de Teseu com a sacerdotisa Fedra (Freida Pinto) é raso e não convence. Ela é simplesmente a mulher atraente que estava ali no momento.

O visual dessaturado e sem cores empregado em 300 funciona aqui na maioria do filme, mas quando os Deuses gregos aparecem em cena, não consegui deixar de pensar: “que cafona”. É muito dourado e carnavalesco demais e destoa do restante do filme e da narrativa em si. A direção de arte é no geral eficiente, mas exagera em alguns pontos, como na criação da aldeia em que Teseu vivia que é encrustada no meio de uma enorme encosta marítima rochosa que você pensa: “como as pessoas chegam lá?” ou na criação digital de um exército de milhares e milhares de soldados em frente ao castelo no desfecho do filme que não causa o impacto que deveria exatamente pelo fato de os expectadores saberem que estão vendo algo “falso” criado em computador e por ninguém fazer ideia de onde surgiu tanta gente. Na batalha final onde esse exército deveria entrar em ação, o que vemos é uma luta genérica num corredor no castelo, e depois soldados sendo destruídos de forma não convincente.

Tarsem Singh mostrou que é um diretor competente por ter conseguido fazer um filme razoável a partir de um roteiro pedestre, mas também mostrou que precisa encontrar a sua forma de fazer filme. Dar a sua própria identidade visual e principalmente, conduzir uma narrativa com um pouco mais de ambição artística, seja para emocionar, assustar, fazer ação frenética, contar uma história importante ou simplesmente aguçar o intelecto do expectador. Imortais não faz anda disso. É difícil saber as motivações de cada um na batalha, o que é um erro imperdoável num filme desse gênero.

Henri Cavill carrega bem o filme nas costas e mostra que tem talento e carisma para ser ator de Cinema, não só de televisão (ele faz a série The Tudors). As duas mídias exigem coisas bem diferentes dos atores. Freida Pinto é somente aquilo que o roteiro permitiu: a gostosa por quem o herói de apaixona. Mickey Rourke cria um vilão bastante assustador e monstruoso, como pede o filme, mas a maior parte de sua performance fica a cargo de sua aparência monstruosa e de sua voz grave e rouca. Ele não teve que fazer muito esforço pra isso. O resto do elenco são mulheres igualmente bonitas como Freida Pinto e homens com abdômen de tanquinho como Cavill.

Imortais é um entretenimento bobo, esquecível, mas cumpre sua missão, que é entreter sem exigir muito dos expectadores. Espero que não tenha continuação, mas algo me diz que pelo gancho final do filme (muito interessante por sinal) e a sua bilheteria satisfatória Imortais 2 está a caminho.

Nota: 7

Lista completa de filmes vistos em 2011

2012-01-06T03:06:00.000-08:00

Para quem não conhece, a classificação dos filmes é a seguinte:

*: péssimo

**: ruim

***: razoável

****: bom

*****: excelente

Aqui vai a lista completa dos longas vistos em 2011:

1. 10.000 a.c. (10.000 b.c. 2008) **

2. 127 horas (127 hours – 2010) ****

3. A conversação (The conversation – 1974) *****

4. A cor do dinheiro (The color of Money – 1986) *****

5. A garota da capa vermelha (Red riding hood – 2011) *

6. A rede social (The Network – 2010) *****

7. A rede social (The Network – 2010) *****

8. A testemunha (Witness – 1985) ***

9. A um passo da eternidade (From here to eternity – 1953) *****

10. Agora seremos felizes (Meet me in St. Louis – 1944) *****

11. Água para elefantes (Water for elephants – 2011) ***

12. Além da vida (Hereafter – 2010) ****

13. Amanhecer (Beaking Dawn – 2011) **

14. Amizade colorida (friend with benefits – 2011) ****

15. Amor a toda prova (Crazy, stupid love – 2011) *****

16. Apollo 13 (Idem – 1995) *****

17. Árvore da Vida (The tree of life – 2011) *****

18. Atividade Paranormal 3 (Paranormal Activity – 2011) ****

19. Avatar (idem – 2009) *****

20. Bastardos Inglórios (Ingloriousbasterds – 2009) *****

21. Besouro verde (2011) ***

22. Billy Eliot (Idem – 1999) *****

23. Boa noite e boa sorte (Good night and good luck – 2005) *****

24. Bravura Indômita (True grit – 2010) *****

25. Bravura indômita (True grit – 2010) *****

26. Bruna Surfistinha (Idem – 2011) ***

27. Burlesque (Idem – 2010) ***

28. Caminho para Liberdade (The way back – 2010) ****

29. Capitães de Areia (Idem – 2011) *****

30. Capitão América (Capitain America – 2011) ****

31. Casa comigo (LeapYear – 2010) **

32. Cassino (Casino – 1995) *****

33. Chicago (Idem – 2003) *****

34. Chicago (Idem – 2003) *****

35. Cinderela em Paris (Funny face -1957) *****

36. Cisne negro (Black Swan – 2010 *****

37. Cisne negro (Black Swan – 2010 *****

38. Contágio (Contagion – 2011) ****

39. Contato (Contact – 1997) *****

40. Contos proibidos do Marques de Sade (Quils – 2000) *****

41. Contra corrente (Contracorriente – 2009) ****

42. Conversando Com Deus (Conversations with God – 2007) *

43. Cowboys & aliens (Idem – 2011) **

44. Deixe-me entrar (Let me in – 2010) ****

45. Desejo e reparação (Atonement – 2007) *****

46. Desejo e reparação (Atonement – 2007) *****

47. Donnie Brasco (Idem – 1997) *****

48. Dreamgirls (Idem – 2005) ****

49. E o vento levou (Gone with the wind – 1939) *****

50. Enrolados (Tungled – 2010) ****

51. Ensaio de orquestra (Prova d'Orchestra – 1978) *****

52. Entre dois amores (Out of Africa – 1985) *****

53. Estamos juntos (Idem – 2011) **

54. Fim de caso (The end of the affair – 1999) *****

55. Fúria sobre rodas (Driving angry – 2011) *

56. Gandhi (Idem – 1982) *****

57. Guerra dos mundos (War of the worlds – 2005) ****

58. Hair (Idem – 1979) *****

59. Hanna (Idem – 2011) ***

60. Happy Feet 2 (Idem – 2011) *

61. Harry Potter e a câmara secreta (Harry Potter and the Chamber of Secrets – 2002) ****

62. Harry Potter e a ordem da Fênix (Harry Potter and the Order of the Phoenix – 2007) ****

63. Harry Potter e a pedra filosofal (Harry Potter and the Philosopher's Stone – 2001) ****

64. Harry Potter e a prisioneiro de Azkaban (Harry Potter and the Prisoner of Azkaban – 2004) *****

65. Harry Potter e as relíquias da morte – parte 1 (Harry Potter and The Deathly Hallow: Part I – 2010) *****

66. Harry Potter e as relíquias da morte parte II (Harry Potter and the deathly hollows part II – 2011) *****

67. Harry Potter e o cálice de fogo (Harry Potter and the Goblet of fire – 2005) ****

68. Harry Potter e o enigma do príncipe (Harry Potter and the half-blood prince – 2009) *****

69. Harry Potter e o Enígma do Príncipe (Harry Potter and the half blood Prince – 2009) *****

70. Incontrolável (Unstoppable – 2011) **

71. Indiana Jones e a ultima cruzada (Idiana Jones and the last cruzade – 1989) *****

72. Indiana Jones e o templo da perdição (Idiana Jones andthetempleofdoom – 1984) *****

73. Inverno da alma (Winter’sbones – 2010) ****

74. Jane Eyre (idem – 2011) *****

75. Jurassic Park – O mundo perdido (Jurassic Park – The Lost world - 1997) ***

76. Jurassic Park (Idem – 1993) *****

77. KickAss – quebrando tudo (KickAss – 2010) *****

78. Kung Fu Panda (Idem – 2008) *****

79. Kung Fu Panda 2 (Idem – 2011) ****

80. Lanterna Verde (Green Lantern – 2011) ***

81. Lanternas vermelhas (Raise the red lantern – 1991) *****

82. Linha mortal (Flatliners – 1990) ****

83. Longe do paraíso (Away from heaven – 2002) *****

84. Meia noite em Paris (Midnight in Paris – 2011) *****

85. Meninos não choram (Boys dont cry – 2000) *****

86. Meu malvado favorito (Despicable me – 2010) *

87. Minhas mães e meu pai (The kids are allright – 2010) ****

88. Mistérios da Carne (Misterious skin – 2004) ****

89. Moulin Rouge - amor em vermelho (Moulin Rouge - 2002) *****

90. Não me abandone jamais (Never let me go – 2010) *****

91. Não tenha medo do escuro (Don’t be affraid of the dark – 2011) **

92. Noite de ano novo (new year’s eve – 2011) ****

93. O caminho para casa (Wo de fu qin mu qin – 2000) *****

94. O Cavaleiro das trevas (The dark knight – 2008) *****

95. O Concerto (Le Concert – 2009) ****

96. O curioso caso de Benjamin Button (The curious case of Benjamin Button – 2007) *****

97. O dilema (The dilema – 2011) *

98. O discurso do rei (The king’s speech – 2010) *****

99. O guarda costas (The bodyguard – 1992) *****

100. O Homem do futuro (Idem – 2011) ***

101. O Jardim secreto (The secret garden – 1993) *****

102. O pequeno Nicolas (Le petit Nicolas – 2009) *****

103. O rei leão (King Lion – 1994) *****

104. O Segredo de Brokeback Mountain (Brokeback Mountain – 2005) *****

105. O Senhor dos Anéis – A sociedade do Anel (The Lord of the Rings – the fellowship of the ring – 2001) *****

106. O senhor dos anéis – as duas torres (The lord of the rings – the two towers – 2002) *****

107. O Senhor dos anéis – o retorno do rei (The Lord of the rings – the return of the king – 2003) *****

108. O silencio dos inocentes (The scilent of the lambs – 1991) *****

109. O turista (The tourist – 2010) **

110. O vencedor (The fighter – 2010) *****

111. Operação presente (Arthur Christmas - 2011) *****

112. Orgulho e preconceito (Pride and Prejudice – 2005) *****

113. Orgulho e preconceito (Pride and Prejudice – 2005) *****

114. Os espíritos (The frighteners - ) *****

115. Os imperdoáveis (Unforgiven – 1991) *****

116. Os Muppets (The Muppets – 2011) ****

117. Os três mosqueteiros (The three Musqueteers – 2011) ****

118. Piratas do Caribe – a maldição do pérolanegra (Pirates of the Caribbean – the course of the Black pearl – 2003) *****

119. Piratas do Caribe – Navegando em águas estranhas (Pitares oftheCaribean – 2011) ***

120. Piratas do caribe – no fim do mundo (Pirates of the Caribean – atworld’sand – 2007) ****

121. Piratas do caribe – o baú da morte (Pirates of the Caribbean – dead man’s chest – 2006) *****

122. Planeta dos macacos – a origem (Rise of Planet of the apes – 2011) ****

123. Planeta dos macacos (Planet of the apes – 1968) *****

124. Planeta dos macacos (Planet of the apes – 2001) *

125. Quarto do Pänico (Panic Room – 2002) *****

126. Rec (Idem – 2007) *****

127. Reencontrando a felicidade (Rabbithole – 2010 ****

128. Reino Animal (Animal Kingdom – 2010) ****

129. Scott Pilgrim contra o mundo (Scott Pilgrim vs the world – 2010) ****

130. Se beber não case parte II (The hang over part II – 2011) ***

131. Sucker Punch – mundo surreal (Sucker Punch – 2011) ****

132. Super 8 (Idem – 2011) ****

133. Tetro (Idem – 2009) ****

134. The Rocky horror Picture show (Idem – 1975) ***

135. Thelma e Louise (Thelma and Louise – 1991) *****

136. Thor (idem – 2011) ****

137. Tiros na Broadway (Bullets over Broadway – 1994) *****

138. Tootsie (Idem – 1982) *****

139. Toy Story (Idem – 1994) *****

140. Toy story 2 (Idem – 1998) *****

141. Toy Story 3 (Idem – 2010) *****

142. Transformers – O lado oculto da lua (Transformers – dark of the moon – 2011) *

143. Trovão tropical (Tropic Thunder – 2008) ****

144. Uma janela para o amor (A room with a view – 1985)

145. Uma ponte longe demais (A bridge too far – 1977) ****

146. Velozes e Furiosos 5 (Fast Five – 2011) **

147. Você vai conhecer o homem dos seus sonhos (You will meet a tall dark stranger – 2010) ****

148. X-man: Primeira Classe (X-man: First class – 2011) *****

Meninos não choram (Boys don’t cry)

2011-11-15T06:07:00.000-08:00

Meninos não choram (Boys don’t cry) – EUA – 1999

Direção: Kimberly Peirce

Roteiro: Kimberly Peirce e Andy Bienen, baseado na história real de Brandon Teena

“Todo bom filme é um retrato de uma época e uma sociedade.” Foi essa a frase (a qual não me lembro o autor) que me veio à mente depois de assistir a este incrível Meninos não choram de Kimberly Peirce. O longa conta a história de Teena Brandon (Hilary Swank), uma adolescente com crise de identidade sexual. Ela quer na verdade ser um homem, e passa a se vestir e agir como um. É quando então conhece a garota Lana (Chloë Sevigny) de outra cidade, por quem se apaixona e passa a ter um relacionamento, tanto com ela como com sua família e mais alguns amigos, ex-presidiários. Sua vida entra em crise depois que é presa por subverter a lei, e é então que tem a sua identidade sexual posta a prova pelos seu novo círculo de convivência.

Kimberly Peirce trata do complicado assunto com muita sensibilidade e humanidade. Brandon em nenhum momento é tratato pelo roteiro e pela direção como uma aberração da natureza ou algo que precisasse ser mudado. Ele/ela era um adolescente comum, que tem todas as crises que qualquer adolescente tem o direito de ter pelo fato de estar deixando a infância e se tornando um adulto. A única coisa que ela queria era achar seu lugar no mundo. O fator complicador é que Teena era uma garota que gostava de garotas, e achava que precisava ser um homem para poder namorar outras meninas. Se ela tivesse crescido em uma grande cidade e tivesse pais compreensivos e que a apoiasse, sua jornada seria bastante diferente, mas ela cresceu no interior do Nebraska, lugar onde certo personagem diz num momento do filme “as pessoas matam os viados.” A sua confusão de identidade pode ser explicada em grande parte por isso.

Vivido por Hilary Swank com impressionante intensidade e veracidade, Brandon/Teena logo conquista o exectador com seu carisma, amor pela vida e a forma como trata suas namoradas. E é até engraçada a sua reação ao saber que irá ter um olho roxo no dia seguinte depois de uma briga de bar. Ela se sente como “um dos caras”; outro momento único é quando um policial a faz admitir que é uma mulher a obrigado dizer que tem uma vagina. A palavra sai da boca de Brandon como seu fosse algo extremamente vergohoso e quase como uma tortura. E nesse ponto a performance de Swank cai como um luva: intensa e sensível nos momentos certos. Outra atriz que merece destaque é Chloë Sevigny, que vive Lana como uma criatura frágil e vitima do seu meio: uma mãe desequilibrada e dois marginais obsecados por ela. Quando conhece Brandon, vê nele sua chance de uma vida diferente. E um momento chave do filme é quando, no primeiro encontro íntimo entre eles, Lana percebe que Brandon tem algo bastante diferente, mas parece não se importar. A direção de Peirce e a atuação de Sevigny são extremamente sutis e brilhantes.

O relacionamento das duas não é construído nas bases sociais convencionais. Primeiro, Lana acha que Brandon é um rapaz e se apaixona por ele. Depois de descobrir a verdade, cotinua a gostar dele/dela da mesma forma, ou até mais, e passa a achar o namorado de certa forma especial. Quando Brandon em uma de suas muitas mentiras desesperadas (pode se imaginar a necessidade delas para viver como ele) diz que é hermafrodita, ela diz: “não importa se você é metade macaco...”.

Todo o elenco de apoio se sai de forma espetaclar como Peter Sarsgaard e Alicia Goransn, mas créditos merecem ser dados ao roteiro muito sólido e honesto (a real jornada de Brandon Teena por si só já é tocante) e a direção talentosa de Peirce. Ela conduz a história com propriedade e pulso firme, nunca deixando o expectador perder a conexão emiocional com os personagens que vemos na tela. E o seu estilo visual se faz justificado, operando como elemento para intensificar o impacto da narrativa que assistimos. Por exemplo, no momento em que a identidade de Brandon é revelada para a família numa “conversa” muito tensa, Peirce manten sua câmera em planos muito fechados nos rostos dos atores, o que aumenta a angústia e opressão que aquela situação representava para ele.

Tratando o tema homossexualismo de forma livre de qualquer preconceito e julgamento como no ótimo O segredo de Brokeback Mountain, Meninos não choram tem sua importância, como disse, no fato de ser um retrato de uma época de uma sociedade. E também no fato de contar uma história real, emocionante e acima de tudo, um história sobre seres humanos, que merecem serem tratados como tal, independente de orientação sexual, no caso, cor ou qualquer outra diversidade que possa haver. Diversidade esta que faz cada um de nós únicos.

Nota: 9

Game of Thrones (HBO) – 1ª temporada

2011-09-12T08:09:00.000-07:00

Criadores: David Benioff e D. B. Weiss

Roteiro baseado no primeiro livro homônimo da série A song of Ice and Fire de George R. R. Martin

Como disseram os produtores dessa ótima série da sempre competente HBO, Game of thrones é Os Sopranos na Terra Média. A história reúne a complexidade de relacionamentos e luta por poder da famosa serie sobre a máfia Os Sopranos ao clima de batalha, fantasia de um período medival que nunca existiu de O Senhor dos Anéis. A série lembrou-me em parte também The Tudors, que narra a período de reinado do Rei Henrique VIII na Inglaterra.

Fazer uma sinopse da série é tarefa complicada, visto que são inúmeros os personagens (muitos mesmo), sete reinos distintos, muitas dinastias de reis e rainhas tratadas pela história, diversos senhores e “mãos” de reis, como são chamados os guerreiros braço direito do rei, lutas pelo poder e intrigas pessoais. A combinação perfeita para que gosta desse tipo de produção.

O mais interessante é que o roteiro é sólido e os personagens são complexos e bem definidos. A história, apesar de ser complicada e um pouco difícil de acompanhar (são tantos nomes!), flui de forma natural para o expectador, e sempre surpreendente a cada episódio, nunca soando repetitiva ou previsível.

O fato que mais me chamou a atenção foi que eu não me senti manipulado assistindo à série, como acontece com muitas produções televisivas. Os produtores têm que manter seus expectadores presos, porque a série vive de audiência, é claro, então costumam deixar o clímax não resolvido para o final do episódio para termos que ver o capítulo seguinte e assim por diante. Isso sempre soa falso e desonesto pra mim. Em Game of Thrones o roteiro é claro o coeso, e não esconde nenhum fato imporante do expectador. Está tudo ali. Basta ver, analisar e sentir. E o interessante é que essa falta da manipulação não faz com que o expectador perca o interesse. Muito pelo contrário. No meu caso o interesse só aumentou, porque eu entendendi logo de início que assistia a uma obra de arte de qualidade, não um produto televisivo que tem o único objetivo de conseguir audiência.

Os valores e assuntos abordados pela série como honra, amor à família, desejo pelo poder e encontrar um propósito na existência como muitos outros são tratados com muito talento pelo roteiro. Cada pesonagem se encaixa na hstória com sua função, como se os sete reinos fossem um tabuleiro de xadez e os personagens as peças. Uns guiam os participantes do jogo e outros são guiados.

A direção de arte, figurinos e toda a parte técnica da série são impecáveis. Afinal, criar um mundo novo e fazer com que ele seja crível não é tarefa fácil, mas o visual da série sempre impressiona.

O roteiro mostra como que a história é escrita através dos relacionamentos pessoais, personalidades e interesses dos poderosos. Quando um rei toma certa decisão, não é no bem do povo que ele pensa primeiro, mas em toda a sua bagagem emocional e psicológica que vem de sua criação, muitas vezes defeituosa como mostra a série, e em todos que estão ao seu redor, as pessoas que ama ou odeia e que influenciam a sua vida. Ou seja, os reis são humanos como qualquer outro, mas com poder para fazer viver ou matar centenas de milhares.

Game of thrones é uma surpresa agradável do ano de 2011 na televisão.

P.S.: A abertura é genial e exprime exatamente o clima e o tom da história. Não me canso de ver.

Billy Elliot (Idem)

2011-08-30T12:23:00.000-07:00

Billy Elliot (Idem) – França/Reino Unido – 2000

Direção: Stephen Daldry

Roteiro: Lee Hall

Uma ode à Arte. É assim que eu defino esse maravilhoso Billy Elliot. O longa conta a historia do garotinho Billy (Jamie Bell), que mora no interior do Reino Unido com seu pai, seu irmão e sua avó bastante idosa e doente. Seu pai e seu irmão são mineiros e passam por uma crise pelo fato de o sindicato estar em greve e eles não terem quase nenhum dinheiro para manter a casa. O pai de Billy, Jackie (Gary Lewis) se esforça para dar cinqüenta centavos para seu filho todos os dias para ele ter a chance de praticar boxe. O que ele não sabe é que seu filho começou a se interessar por balé, quando as meninas tiveram que dividir o mesmo espaço que os garotos, e que ele de fato tem talento. Quando Jackie descobre, fica revoltado e o proíbe de dançar. Billy, apaixonado pela dança, pratica escondido na casa da professora Mrs. Wilkinson (Julie Walters) que tenta arranjar uma audição para Billy em uma grande escola de bale de Londres.

Já nos momentos iniciais, Daldry mostra a paixão de Billy pela dança, com o garoto pulando em sua casa ao som de uma música que ele gosta. Billy não tinha técnica nenhuma, mas o amor por expressar sentimentos com seu corpo estava lá. Como um diamante não lapidado. Quando ele tem a oportunidade de participar da aula da Mrs. Wilkinsonm fica claro que ele mesmo ainda tinha algum preconceito pelo fato de ele ser um menino e estar fazendo balé entra as meninas, mas fica ainda mais claro que ele achou incrível estar dançando e fazendo aquilo em uma aula, como ele fazia nas suas intermináveis sessões de boxe.

O boxe e o balé servem de contraponto para a relação que guia o filme, que é de Billy e seu pai. Sem quase nenhuma instrução e conhecimento de arte, e muito menos dança, Jackie fica revoltado quando descobre que seu filho vem matando as aulas de boxe para praticar balé, e sua primeira reação é perguntar se ele é gay. Depois é proibi-lo de continuar freqüentando as aulas. O normal era que o achássemos Jackie um monstro por proibir seu filho de fazer o que amava, e é exatamente ódio que Billy sente dele naquele momento, mas por conhecer o personagem e saber de suas limitações, sabemos que ele faz aquilo por amar seu filho e julgar estar fazendo o melhor pra ele.

Outro relacionamento que também é vital para o filme é o de Billy com Mrs. Wilkinson, sua professora de balé. Ela vê no garoto um talento e decide investir nele. A performance de Julie Walters é extremamente contida e sem exageros de expressão, mas nem por isso menos expressiva e honesta. Quando ela olha Billy e vê que ele está desenvolvendo sua arte, dá pra ver sua satisfação somente pelo brilho se seus olhos. E pode ser loucura minha ir tão longe, mas ainda consegui ver um certo tom de frustração em seus atos, uma amargura por ela não ter sido aquilo que poderia ser um dia. Mas isso não é abordado pelo filme.

Isso nos leva a performance de Jamie Bell, que mesmo tão jovem, vive Billy com tanta intensidade e talento, que merecia uma indicação ao Oscar, ao meu ver; além da mais do que justa indicação de Julie Walters como quadjuvante. No momento em que a banca examinadora pergunta a Billy o que ele sente quando dança, a resposta que ele dá é um dos momentos mais emocionantes do filme, no qual eu não contive as lágrimas.

A subtrama envolvendo a greve dos mineiros é de extrema importância porque serve para mostrar o amadurecimento de Jackie em relação a Billy e sua arte. Quando ele toma certa decisão durante o filme, por um lado ele é a decepção para seu filho mais velho que é mineiro, mas por outro, ele entendeu que tinha que dar a Billy uma chance de ser algo diferente dele e de seu irmão.

Billy Elliot tinha uma premissa que poderia levar o longa a ser uma sucessão de clichês, como Burlesque. “Garota sai da cidade do interior para tentar a fama na cidade grande e enfrenta dificuldades”. Aqui seria “garoto pobre sonha em ser bailarino, mas é reprimido pelo pai machista”. Mas felizmente não é. Daldry vai fundo na mente de seus personagens e conta uma história importante. Afinal de contas, qual a importância da arte? Porque não seguir uma carreira mais “útil” e menos lúdica? Porque um artista gasta tanto de seu tempo e seu esforço para fazer algo que tenha alguma importânica? As respostas são apresentadas na conclusão do filme de forma genial. Jackie e seu filho mais velho se juntam a um velho amigo de Billy e seu namorado para presenciar a arte em sua melhor forma.

No fim do filme, o meu olhar era exatamente igual ao do pai de Billy ao assistir ao filho dançar.

Nota: 10

Planeta dos Macacos: a origem (Rise of the Planet of the Apes)

2011-08-30T11:32:00.000-07:00

Planeta dos Macacos: a origem (Rise of the Planet of the Apes) – EUA – 2011

Direção: Rupert Wyatt

Roteiro: Rick Jaffa e Amanda Silver

Os reboots estão na moda em Hollywood. Eles de certa forma me deixam apreensivos. Porque refilmar ou dar uma nova roupagem a clássicos que foram sucesso de crítica e/ou bilheteria é muito perigoso. As suas fontes inspiradoras geralmente são de boa qualidade, e fazer algo do mesmo nível ou melhor é tarefa muito complicada. E fico muito triste quando uma refilmagem ou reboot “estraga” o original e a idéia que temos dele. Imgine algum diretor fazendo um remake de E o vento levou ou da trilogia O Senhor dos anéis daqui a alguns anos. As comparações são inevitáveis e não consigo para de pensar que a idéia de refilmar algo bom é desnecessária.

A trama tenta explicar o início dos fatos que levaram ao longa de 1968 com Charlton Heston. Will Rodman (James Franco) é um cientista que trabalha tentando desenvolver a cura para o Alzheimer fazendo testes em chimpanzés. Depois de um acidente com uma chuimpanzé numa apresentação, todos os símios do laboratório são sacrificados, mas Will decide levar um bebê chimpanzé pra casa e criá-lo como um filho. O bebê chamado César (Andy Serkis) começa a apresentar inteligência fora do comum. A relação dos dois fica abalada depois que Will tem que mandar César para um abrigo com outros símios, onde ele começa a liderar uma revolução e planejar uma fuga coletiva.

O filme acerta por se focar na jornada emocional de César, acreditem. Diferente do longa de 1968, que se concentrava no personagem de Heston e suas descobertas num planeta dominado pelos símios. César passa pelo dilema que qualquer criança adotada passa. Ele se sente diferente de seu “pai” e se pergunta quais são as suas origens. Isso gera a revolta que qualquer pessoa teria ao ter suas origens escondidas durante tanto tempo e gera nele um extinto de busca e de auto-descobrimento. Se o lar dele não era em casa com Will, o que então ele deveria fazer de sua vida?

Mesmo tendo uma relação complicada com seu “pai” Will, Cesar sempre demonstra carinho e respeito por este. Os momentos de intimidade de “pai e filho” entre os dois são os momentos mais ternos do filme. E a conexão emocional que os dois apresentam faz todo o sentido, afinal Will criou César com todo amor e o ensinou tudo que ele sabe.

Quando Cesar começa a organizar uma revolução no abrigo, entendemos suas razões e motivações. Ele era quase um ser humano com sentimentos, e, mesmo se fosse um animal, tem o estinto que qualquer ser vivo tem: querer viver em liberdade no lugar que você de fato pertence, saber quem você é, de onde veio e ter um propósito na vida.

Nos filmes anteriores, os símios eram representados por atores com roupas e maquiagem. Aqui eles são criados com a moderna técnica de motion capture desenvolvida por Peter Jackson para criar o Gollum de O Senhor dos Anéis e aprimorada por James Cameron em Avatar. Os símios têm uma aparência extremamente realista na maior parte do tempo, e César é muito expressivo. Sem dizer uma só palavra (a maior parte do longa), sabemos tudo que ele está pensando e sentindo. E quando ele fala sua primeira palavra no filme, é um momento de tanto choque, que mesmo ele parecendo não precisar falar, é o seu grito de liberdade. César é o protagonista inegável do filme, mas James Franco, talentoso como sempre, se encaixa bem e convence como o cientista passional que tem motivações pessoais em seu trabalho.

Planeta dos Macacos: a origem é uma supresa boa de 2011. E o curioso é que o protagonista nem é um ser humano.

Nota: 8

Lanterna Verde (Green Lantern)

2011-08-23T11:20:00.000-07:00

Lanterna Verde (Green Lantern) – EUA – 2011

Direção: Martin Campbell

Roteiro: Greg Berlanti, Michael Green, Marc Guggenheim e Michael Goldenberg, baseado nos quadrinhos da DC Comic

Creio que nunca antes em um único ano foram lançados tantos filmes de super heróis. Para os fãs do gênero isso é ótimo, mas o risco de os diretores caírem na mesmice e no lugar comum é grande. É o que em parte acontece com essa nova produção da DC Comics Lanterna Verde.

Confesso que não tinha grandes expectativas com o filme nem sei por quê. Quando vi o trailer no cinema não tive uma boa impressão. Porém fui surpreendido positivamente quanto conferi o longa e vi que ele não era tão ruim como eu pensava. Isso só reforça a minha teroria de que assistir trailers e saber muita informação sobre o filme antes de assisti-lo não é muito bom para a experiência cinematográfica e não é justo com o filme. O ideal é que sua mente esteja vazia com relação ao longa que você irá assistir; assim ele causará a impressão pura e simples que deve causar livre de pré-julgamentos e expectativas.

Hal Jordan (Ryan Reynolds) é um piloto da força aérea americana que sofre de irresponsabilidade crônica e um patológico instinto autodestrutivo, teoricamente causado pela perda prematura de seu pai em um terrível acidente aéreo presenciado por ele quando criança. Inesperadamente ele recebe um anel de um alienígena prestes a morrer que caiu na terra que irá conferir poderes a ele para se tornar um Lantera Verde e fazer parte de uma tropa de Lanternas verdes composta de 3600 membros de setores diferentes do universo. O anel se alimenta da força da vontade das pessoas e o requisito para ser digno de ser escolhido por ele é não possuir medo. Hal tem que se acostumar a ser um Lanterna verde, domar sua personalidade e teinar para enfrentar um inimigo monstruoso que se alimenta da energia do medo e que ameaça destruir todo o universo, além dos seus problemas na terra com sua namorada, seu trabalho e Hector Hammond (Peter Sarsgaard) que parece ter sido afetado pelos vestígios do monstro.

A história parece complexa, mas é realivamente simples. Isso é o ponto fraco e forte do filme ao mesmo tempo. O filme se concentra na ação e na aventura, assumindo a cara de um filme bem hollywoodiano como Martin Campbell já está acostumado a dirigir. Isso é bom, mas o filme não passa de puro entretenimento, porque não chegamos a nos importar de fato com Hal (só simpatizamos um pouco com ele por ele ter a cara do Ryan Reynolds que é um ator carismático) ou os outros personagens, e nem mesmo odiar o vilão ou ter pena dele. O monstro que já foi um dos membros do conselhor não chega a de fato ser um vilão típico do universo de super heróis por ser muito poderoso, distante e impalpável. Por isso o Dr. Hammond é inserido na história. Ele não passa de uma ferramente do roteiro para atrapalhar ainda mais a vida do herói e ser uma cara para o público odiar. Sua relação com o seu detestável pai é mal desenvolvida. A idéia era boa, mas batida. “Filho não se dá bem com o pai e tem seu caráter afetado por isso”. Se fosse uma idéia bem tratada pelo roteiro, passaria batida, mas não é. O arco dramático de Hammond é abandonado pelo roteiro e finalizado quando se apresenta necessário.

Algo que funciona bem é a relação de Hal com Carol Farris (Blake Lively, linda, mas desconhecida pra mim). A dinâmica entre os dois funciona bem e o casal tem carisma junto, mas Carol também não é nada além do interesse amoroso do herói; a relação deles não têm nenhuma complexidade maior explorada pela história.

Um grande problema do roteiro é não fazer o que todos os filmes de superheroes fazem. Se um humano adquire poderes de uma hora para outra, ele no mínimo tem que se questionar se quer mesmo tais poderes, de que forma eles irão influenciar sua vida, as implicações e responsabilidades que ser poderoso traz e os questionamentos morais de usá-los: para si, ou para ajudar os outros. Hal, que a princípio era um irresponsável e inconseqüente, parece do dia para a noite se tornar uma espécie de Superman e ter como único objetivo salvar a sua amada humanidade. Eu me pergunto: de onde esse senso de justiça veio? Ele já tinha ou o anel deu isso a ele? Ou ele passou por um processo de amadurecimento não mostrado pelo filme? Essa resposta eu não tive.

Mesmo com esses problemas de roteiro, o filme transcorre bem, prende a atenção e cumpre seu papel. As sequências de ação são eficientes, mas são burocráticas sem mostrar nada de novo. Os efeitos visuais impressionam, porém, o que se esperar de uma produção desse porte? A direção de arte é bastante criativa com o visual do planeta Oa, a criatura maligna e principlamente o confronto final. A trilha sonora me lembrou a de Superman em alguns acordes, o que é interessante, visto que aquele personagem também é da DC e trás memórias boas para os cinéfilos.

Lanterna Verde é mais um bom filme de super herói, mas é um tanto esquecível.

Nota: 7,0

The Walking Dead – 1ª temporada

2011-08-15T12:24:00.000-07:00

Criador: Frank Darabont

Baseado no grafic novel de Robert Kirkman

Num mundo pós-apocalíptico, o policial Rick (Andrew Lincoln) acorda no hospital depois de ser baleado e descobre que a cidade em que vivia agora é habitada por zumbis e todos os humanos não infectados estão desaparecidos ou escondidos. Nesse cenário ele tem que tentar manter-se vivo para encontrar sua esposa e filhos. No caminho ele conhece Glenn (Steven Yeun) que o ajuda a fugir dos zumbis e se propões a levá-lo a um grupo de sobreviventes que se encaminha para Atlanta, a última cidade não dominada pelos zumbis.

Com uma carreira bem sucedida no Cinema que inclui títulos como Um sonho de liberdade, À espera de um milagre, Cine Majestic e O Nevoeiro, Frank Darabont agora produz para TV essa série muito acima da média que trata do excessivamente explorado assunto zumbis de forma criativa, séria e interessante, baseado na série de grafic novels de Robert Kirkman.

Acostumado a adaptar as obras de Stephen King para o Cinema, Darabont sabe criar um clima sombrio e sem esperança, que é exatamente no qual os personagens da série se encontram. Afinal, qual o sentido de se viver num mundo que não possui mais nenhuma organização política ou social, existem zumbis querendo devorar os humanos por todos os lados, a comida é escassa, e a maioria das pessoas que você ama ou se tornaram zumbis, ou comida de zumbis? Diante desse quadro, o suicídio parece a melhor opção, mas Darabont explora a força e o instinto de sobrevivência dos seres humanos na sua essência. E claro, o policial Rick tem seus motivos para continuar lutando: acredita que seu filho e esposa estão vivos em outro lugar. E, além disso, bondade ainda pode ser encontrada em pessoas mesmo num mundo devastado por uma “epidemia” tão pavorosa.

Qualquer falta de cuidado com o roteiro poderia fazer com que a série se tronasse ridícula e sem propósito, mas Darabont desenvolve o conceito de um mundo dominado por zumbis de forma genial, explorando todas as possibilidades dramáticas que a situação pode oferecer. Ele já havia feito isso com talento em O Nevoeiro. A maior ameaça existente no fim das contas são os próprios humanos, aqueles que não se transformaram em zumbis. Do que as pessoas são capazes para se manter vivas? Se na sociedade normal, os desvios de caráter são pouco percebidos pelos demais por falta de oportunidade às vezes, numa sociedade pós-apocalíptica sem regras, as piores facetas da personalidade de cada um é mostrada. Os escrúpulos desaparecem e junto com eles as máscaras caem, revelando os lados mais sombrios das pessoas. É nisso que Darabont se concentra, acertando em cheio, fazendo com que a série seja um ótimo estudo de personagem e da raça humana por conseqüência.

A direção de arte e os efeitos visuais são eficientes e impressionantes para uma produção para TV. O elenco, apesar de ser totalmente desconhecido para mim, está afinado e se mostra a escolha perfeita.

Mal posso esperar para começar a ver a segunda temporada.

Nota: 9

Super 8 (Idem)

2011-08-15T11:24:00.000-07:00

Super 8 (Idem) – EUA – 2011

Direção: J. J. Abrams

Roteiro: J. J. Abrams

Steven Spielberg é umas das personalidades mais importantes da história do Cinema e continua a ser também na atualidade. J. J. Abrams é um desses jovens cineastas que cresceu vendo os filmes de Spielberg na década de 70 e 80 e vem sendo influenciado por suas criações desde então. Neste bom Super 8, Abrams faz uma homenagem àqueles títulos que foram reprisados dezenas de vezes na TV e fazem parte da vida de muita gente. Exemplos: E. T. – o extraterrestre, Contatos imediatos de terceiro grau, Os Goonies (produzido por Spielberg) e Tubarão.

Um grupo de adolescentes liderado pelo aspirante a diretor de Cinema Charles (Riley Griffiths) roda uma cena de seu curta em uma estação de trem abandonada à noite. Eles presenciam um terrível acidente com o trem enquanto gravavam o filme. Chocados com o que aconteceu, eles ficam divididos entre tentar descobrir a causa do acidente ou tentar ficar longe do fato para salvar suas vidas, mas a segunda opção se torna quase impossível, porque acontecimentos estranhos começam a ocorrer na pequena cidade onde moram. Então eles recorrem à fita gravada durante o acidente pela câmera super 8 de Charles para ter alguma pista do ocorrido.

A dinâmica do grupo de adolescente remete muito a Os Goonies. Eles têm toda a energia que a idade traz, os hormônios à flor da pele, a curiosidade com tudo à volta, problemas de relacionamento com os pais, não conseguem dar um rumo certo às suas conversas, as brincadeiras inocentes e ofensivas entre o grupo e a desvantagem de serem muito jovens e a maioria das pessoas não darem crédito ao que dizem, o que se apresenta um problema, porque em certo ponto do filme, eles são os únicos a saber o que exatamente está atacando os moradores da cidade.

Abrams aprendeu perfeitamente a lição passada por Spielberg em Tubarão. Ele passa todo o primeiro e segundo ato do filme sem mostrar a criatura, deixando apenas o espectador ver a cara de pavor quando um personagem a vê ou mostrando todos os cachorros da cidade fugindo para a redondeza. A tensão criada é grande. A seqüência inicial do acidente do trem também é impressionante tanto visualmente quanto pelos efeitos sonoros.

O filme assume um tom de nostalgia para aqueles que conhecem as obras às quais ele faz homenagem, principalmente porque a história se passa em 1979 e todo o design de produção e até a trilha sonora retratam a época com perfeição. E nesse ponto o estilo de homenagem que Abrams imprime no longa se faz muito presente, com zooms na direção do rosto dos atores, trilha sonora característica de produções da época e os já famosos efeitos de luz do diretor na fotografia comuns em todos os seus filmes.

Ao mesmo tempo Abrams presta uma pequena homenagem ao Cinema mostrando as dificuldades do grupo de meninos em rodar seu filme e as soluções criativas que eles inventam para os problemas de produção. Afinal, filmar um curta sobre zumbis não era tarefa fácil para um grupo de adolescente criativos, porém sem dinheiro.

O desfecho é bem ao estilo E. T. e não vai decepcionar a maioria. É emocionante e um tanto fantasioso. O roteiro deixa algumas pontas soltas, mas nada que prejudique os espectadores de se envolver com a história e os personagens carismáticos. J. J. Abrams em seus dois outros filmes já havia mostrado que era um diretor competente. Tanto em Missão Impossível III quanto em Star Trek ele reinventou algo já existente. Em Super 8 ele provou que pode filmar um material seu e produzir algo de qualidade. Imagino o quanto ele se realizou produzindo um filme ao lado de seu ídolo. Agora ele é mais do que o homem pro trás de Lost.

Nota: 7,5

P.S.: O curta The case filmado pelo grupo no filme é exibido durante os créditos finais. Imperdível.

Hanna (Idem)

2011-08-10T19:41:00.000-07:00

Hanna (Idem) – EUA/Inglaterra/Alemanha – 2011

Direção: Joe Wright

Roteiro: David Farr

Com uma carreira ligeiramente em declínio, Joe Wright estreou no Cinema com o ótimo Orgulho e Preconceito seguido do maravilhoso Desejo e Reparação. Depois lançou o fraco e forçado O solista e agora decepciona mais uma vez com esse Hanna, saindo do campo do drama e se enveredando na ação e um pouco na ficção científica. E é exatamente esse um dos problemas de Hanna: o filme nunca se decide o que é. Às vezes parece adaptação de uma grafic novel, às vezes pende para o drama, às vezes para a ação e o suspense, e flerta até com a comédia em algumas cenas. Essa falta de coesão faz com que assistir ao filme seja uma experiência curiosa por um lado e decepcionante por outro, porque eu esperava mais do diretor de dois filmes que admiro tanto.

Hanna (Saoirse Ronan) é uma adolescente de quinze anos que foi criada pelo pai Erik (Eric Bana) na floresta para ser uma verdadeira máquina de matar. Sabe lutar, usar várias armas e falar diversos idiomas. O motivo disso não sabemos durante boa parte do longa. Eles vivem em harmonia assim até o dia em que Hanna decide disparar o dispositivo que irá trazer até ela aqueles que nem ela mesma sabia, mas que eram o motivo de toda a sua preparação pelo seu pai. Capturada pelos “agentes” ela entra então num jogo de gato e rato, no qual ela é o alvo e todos da agência querem matá-la, liderados por Marissa (Cate Blanchett). Além disso, Hanna tenta encontrar o seu pai que fugiu para salvar sua própria vida e descobrir quem ela de fato é.

Saoirse Ronan já mostrou que é atriz talentosa, mesmo tão jovem. Mas ela pouco pode fazer com a sua personagem rasa e sem profundidade. A premissa era bastante rica na verdade, mas o roteiro não é nada além de uma promessa não cumprida. A relação com seu pai, que deveria ser o foco da narrativa, é mal desenvolvida e é abandonada durante o filme. Apesar de Bana ser um ator talentoso e Cate Blanchett dispensa comentários, os dois estão no mesmo caso de Ronan. Seus personagens são unidimensionais, sem ter nenhuma faceta diferente daquela que aparentam ter. Erik é o pai dedicado e Marissa a profissional fria e inescrupulosa. O filme é um verdadeiro desperdício de elenco.

Vejo os problemas no roteiro e não na direção de Wright (pelo menos quero acreditar). Quando ele tem a chance de mostrar seu talento, ele surpreende. Mesmo nunca tendo feito filmes de ação, dirigiu as sequências com muita criatividade e energia. Duas se destacam. O momento em que Erik é perseguido pelos oficiais na rua e desce para uma estação de metrô onde a briga acontece. Ele é seguido pela câmera de Wright sem cortes num ótimo plano sequência. A luta é coreografada de forma impecável. Erik luta contra seis homens (eu acho) ao mesmo tempo, e a luta em momento nenhum soa falsa, risco que havia por não haver cortes: os chutes e socos poderiam parecer pouco convincentes. E esse estilo de filmar com planos sem cortes já mostrado em seus outros três filmes não é gratuito aqui, porque criou uma tensão muito maior na cena do que ela teria caso fosse filmada convencionalmente com os cortes e edição. A outra sequência é a genial perseguição de Hanna pelos agentes entre os contêineres no porto. Wright mostrou que sabe dirigir ação e criar suspense. Pena que ele tinha um roteiro pedestre nas mãos.

Dario Marianelli foi o seu colaborador habitual nos outros três longas para a composição da trilha sonora. Nesse a trilha foi composta não por ele, mas por uma banda que opta pelo pop rock e rock nas cenas de ação, algo como feito em Matrix. Pareceu falta de criatividade e originalidade. Talvez uma trilha orquestrada fosse mais adequada, porém, mais uma vez Wright não decidiu o que fazer com o filme e que forma dar, por isso esse resultado irregular.

Se você quer assistir a um filme de ação que possa entreter por duas horas, pode assistir Hanna, mas se procura algo mais do que isso, não perca seu tempo.

Espero que Joe Wright volte a adaptar algum bom romance ou escolha melhor os roteiros para filmar. Um diretor talentoso não pode ser desperdiçado com projetos ruins.

Nota: 6,5

Dexter – quinta temporada

2011-08-09T09:47:00.000-07:00

Spoiler Alert!

Considero Dexter a melhor série atualmente no ar (porque Lost acabou, é calro). As quatro temporadas anteriores foram de qualidade muito alta, com uma narrativa muito criativa, regular e extremamente eficiente. Afinal de contas, contar a história de um serial killer policial, que leva uma vida dupla como o Superman anti-herói e fazer com que as pessoas ainda gostem dele e torçam por ele não é tarefa fácil.

As temporadas pra mim são como um longo filme de 12 horas de duração (têm 12 episódios de 50 minutos cada aproximadamente). A estrutura não é cansativa como a de séries como House e CSI, em que cada episódio tem a sua própria história que segue uma fórmula que tende a se repetir em todos os outros. A linha narrativa de Dexter segue contínua ao longo da temporada, e também ao longo da série em si, não perdendo o foco do desenvolvimento dos personagens e nem contando histórias desnecessárias.

Toda essa qualidade está presente nesta quinta temporada, mas em menor escala. Digamos que se a primeira tivesse o mesmo nível dessa quinta acho que não gostaria tanto da série. Os dois casos de serial killer, o das garotas nos barris e o caso santa muerte, deixaram a temporada um pouco fora de foco; sem contar que a resolução do caso santa muerte não foi muito satisfatória. Parece que ele foi apenas uma ferramenta do roteiro para a história poder chegar onde os produtores queriam.

A motivação do assassino principal, que sempre teve sua lógica tão bem desenvolvida e explicada (o porquê do sujeito ser um serial killer como o próprio Dexter) aqui fica um pouco no ar e não me convenceu muito. Acho que pode ter sido um pouco pela atuação limitada de Jonny Lee Miller como Jordan Chase (pareceu-me de longe uma tentativa de imitar a performance de Tom Cruise em Magnólia) ou mesmo falha do roteiro. A subtrama envolvendo Quinn e sua suspeita de Dexter ter alguma relação com o Trinity Killer foi muito interessante; mas o tratamento da relação de LaGuerta e Batista me soou um pouco forçado. Já o relacionamento de amizade que Dexter desenvolveu com a vítima sobrevivente Lummen foi vital para o sucesso da história, porque mostrou uma faceta de Dexter que eu nunca tinha antes visto: ele sendo ele mesmo com uma pessoa; diferente até do que na terceira temporada, quando ele encontra um “parceiro” de crime. Gosto muito dos personagens, do tema e de como ele é tratado, além de a série criar um suspense de primeira.

Quero acompanhar ainda a vida do meu serial killer favorito por algum tempo, mas espero que a série se recupere e volte à qualidade do início.

Para os que não sabem, a sexta temporada começa mês que vem.

Pequena Grande Obra de Arte

2011-08-09T06:44:00.000-07:00

Não assisto a muitos curtas metragem, apesar de gostar, porque acho que é difícil prender a atenção de um expectador em pouco tempo, desenvolver uma história e os personagens, dar importância ao roteiro tão curto e emocionar. Mas tive grande surpresa depois de assistir ao famoso curta metragem O velho e o mar (1999) dirigido por Aleksandr Petrov baseado no livro de Ernest Hemingway. O filme tem vinte minutos de duração e consiste em 29 mil pinturas feitas à mão de aquarela sobre vidro. Trabalho artesanal. O resultado é impressionante. A animação tem um visual diferente de qualquer coisa que eu já tenha visto, e o cuidado com a história é nítido. E não é porque o filme tem vinte minutos que ele deixa de ser interessante e prender a atenção do expectador. É possível até analisar as motivações do velho quando ele vai ao mar pescar, e também durante sua aventura. E sua relação com o menino nunca deixa de ser tocante. Vale à pena conferir. O link do filme no youtube segue abaixo.

Parte 1

Parte 2

Top 5 de trilhas instrumentais

2011-08-07T21:36:00.000-07:00

Tenho um acervo enorme de trilhas sonoras instrumentais no meu computador. E quem acompanha meu blog sabe da importância que eu dou para a trilha num filme, que além de emocionar e ajudar a contar a história, traz o clima do tempo, espaço e personagens. Uma bela trilha é sempre inesquecível. Escolher cinco entre todas as trilhas de todos os filmes em mais de cem anos de história do Cinema é tarefa que beira o ridículo. Vou tentar colocar aqui aquelas das quais eu não me canso de escutar e que marcaram minha vida. A cena pode ser assistida clicando na foto.

1. Jurassic Park (Idem – 1992)

Composta por: JOHN WILLIAMS

Direção: Steven Spielberg

O filme, apesar de não ser um clássico é uma aventura de primeiríssima dirigida por um diretor que admiro muito. Spielberg mostrou o que o CGI quebrava todas as limitações que o Cinema pudesse ter com relação a efeitos visuais e criou um filme que deixa qualquer um na beira do assento. John Williams, que considero um gênio, tem na bagagem 45 indicações ao Oscar e 5 em sua estante. Admiro muitas de suas trilhas, mas essa em especial ocupa o primeiro lugar da minha lista porque amo a melodia, a orquestração, o clima de aventura e até mesmo reflexivo que traz; além de me lembrar do filme como um todo instantaneamente. Ela gruda na mente e de cara se torna inesquecível. Quem já viu o filme sabe do que eu estou falando.

2. O Poderoso Chefão (The Godfather – 1972)

Composta por: NINO ROTA

Direção: Francis Ford Coppola

Nada traduz melhor em música a saga da família Corleone do que a melodia composta por Rota executada por violino e acompanhada por orquestra e violão. A trilha se tornou icônica para qualquer assunto relacionado à máfia. Traz o clima da Cicília e a nostalgia da família italiana morando na América. É extremamente emocionante quando vemos um personagem cantar na terceira parte da trilogia a melodia com uma letra expressiva.

3. Orgulho e Preconceito (Pride and Prejudice – 2005)

Composta: DARIO MARIANELLI

Direção: Joe Wright

Atrevo-me a dizer que se Jane Austen tivesse um CD player no século XVIII, ela colocaria a trilha de Marianelli para tocar enquanto escrevia sua obra prima. A Inglaterra Vitoriana e a vida de Elizabeth e Mr. Darcy não poderiam ser expressas melhor do que ele fez nessa obra prima dos Scores. O piano acompanhado de orquestra com o tema marcante soam perfeitos para o mundo criado por Austen. Destaque para o momento em que Elisabeth desorientada, e sem saber qual decisão tomar, vai para a beira de um penhasco ao amanhecer para pensar. A trilha começa suave e segue num crescendo até atingir um clímax, quando percebemos que Lizzy Bennet tomou sua decisão e entendeu os fatos à sua volta. Momento inesquecível pra mim.

4. E o vento levou (Gone with the Wind – 1939)

Composta por: MAX STEINER

Direção: Victor Fleming

Geralmente grandes cenas estão são acompanhadas de grandes trilhas sonoras. Nesse caso, como já citei na sessão Como esquecer, é impossível desassociar a história de Scarlet O’Hara da trilha épica de Steiner. A Guerra civil americana sob os olhos da garota mimada do Sul assume contornos grandiosos no filme de Fleming, o maior clássico de Hollywood. A melodia marcante evoca a proporção dos acontecimentos nos quais Scarlet estava inserida e a força de sua personagem.

5. E. T. – o extraterrestre (E. T. – 1972)

Composta por: JOHN WILLIAMS

Direção: Steven Spielberg

Spielberg e William formam a parceira mais longa e bem sucedida do Cinema. E eu agradeço por ela existir. :P A história do garotinho comum que faz amizade com um ser de outro planeta deixado para traz emociona a todos, sem exceção. A cena de Elliot e E.T. voando em frente ao luar ao som da trilha de Williams é de tirar o fôlego, emocionar e colocar um sorriso no rosto do coração mais durão. A magia e encanto da história estão ali. Williams nesse ano levou um de seus Oscars (mais do que merecido) para casa.

Comentem e citem alguma trilha que vocês gostem.

Capitão América: o primeiro vingador (Capitain America: the first avenger)

2011-08-02T06:44:00.000-07:00

Capitão América: o primeiro vingador (Capitain America: the first avenger) – EUA – 2011

Direção: Joe Johnston

Roteiro: Christopher Markus e Stephen McFeely, baseado nos quadrinhos da Marvel

Steve Rogers (Chris Evans) tem um único sonho em sua vida: entrar no exército americano para lutar contra Hitler e os Nazistas. O problema é que ele é baixinho, franzino, tem asma e várias outras doenças crônicas. Apesar de sua determinação e fibra moral, seu físico o impede de lutar pelo seu país e defender a sua causa. Até o dia em que o Dr. Erskine (Stanley Tucci) o conhece e o propõe participar de um programa do governo para a criação da super soldados. Ele viu em Rogers qualidades além do físico. Lá ele conhece a oficial Carter (Hayley Atwell) com quem desenvolve uma amizade e o General Phillips (Tommy Lee Jones). Paralelo a isso, Johan Schmidt (Hugo Weaving) desenvolve na Alemanha seu plano de derrotar Hitler, assumir o controle do país e construir um império mundial. O fator complicador é que ele também é fruto de uma experiência do Dr. Erkine no passado quando eram amigos, que o deixou mais forte, porém deformado, sendo apelidado de Caveira Vermelha.

Como Thor, Capitão América pra mim, apesar de ser um filme bastante eficiente, soa mais como uma preparação para a mega produção da Marvel, Os Vingadores. Os dois filmes têm a missão de apresentar os personagens Thor e Capitão América e contar suas origens. Mas isso não signifique que esse longa não funcione enquanto Cinema. Muito pelo contrário. A história é contada de forma muito tradicional por Johnston, chegando às vezes a quase cair no clichê. Porém a narrativa não deixa de emocionar porque a jornada de Rogers desperta simpatia em todos, e qualquer um torce para que ele seja bem sucedido.

Grande parte dessa simpatia se deve à sensível performance de Evans na primeira meia hora do filme. Encarnando o magrelo Rogers com extrema sensibilidade, sem exageros de interpretação, Evans não deixa que sintamos pena do protagonista pelo fato de ele ser raquítico e apanhar dos valentões. Gostamos de Rogers porque ele é simpático, amável com os amigos e tem bom caráter. E fico feliz em saber que o ator insistiu para que fosse ele próprio a interpretar Rogers antes da transformação com ajuda de efeitos visuais e não outro ator. Ele inclusive emagreceu para filmas a primeira parte. Isso mostra que o ator está evoluindo em sua profissão e que teve cuidado na composição do personagem, não se contentando apenas em usar de sua aparência física para encarnar o herói. E ele se sai igualmente bem nas cenas de ação e também de comédia. São impagáveis os momentos em que Steve se torna uma espécie de estrela da Broadway.

A revista em quadrinhos foi criada com o propósito de aumentar o patriotismo do povo americano. Esse patriotismo está presente no filme, visto que ele faz parte da história, mas só isso. Johnston acertou ao evitar passar mensagens que pregam a soberania americana sobre a Alemanha ou outros países. Steve é patriota, e isso é amplificado pelo experimento ao qual foi submetido. Johnston sabia que isso era fundamental para o sucesso do projeto. Qualquer patriotismo exacerbado, como por exemplo, mostrar uma bandeira americana tremulando no vento em câmera lenta atrás do herói soaria falso e forçado.

Se em Thor, o relacionamento do herói com a cientista vivida por Natalie Portman era mal desenvolvido, isso não acontece aqui. Acompanhamos Steve e a oficial Carter desenvolver uma amizade que se torna um sentimento maior. Assim, torcemos para que os dois fiquem juntos no fim. E todos entendem do interesse de Steve pela oficial Carter; ela é linda, inteligente, competente e encantadora. Os momentos que mostram a falta de tato de Steve com as mulheres são ótimos. Mesmo agora sendo bonito e atraente, ele continua com a personalidade do garoto franzino que apanhava dos outros.

Stanley Tucci vive o Dr. Erskine com extrema sensibilidade; e Tommy Lee Jones compõe o General Phillips como muito vigor e humor, acima de tudo. Sua sinceridade e o jeito que articula suas idéias de forma simples rendem piadas ótimas, o que cria uma empatia do público com seu personagem, que mesmo sendo durão e incisivo em sua opinião sobre Steve, sabe reconhecer o valor do herói quando ele se mostra. E, desde o Coringa de O Cavaleiro das Trevas, acho que o Caveira Vermelha é o melhor vilão dos filmes de super heróis. É claro que ele não possui a complexidade psicológica e emocional do personagem criado por Heath Ledger, mas é extremamente assustador e bem composto por Weaving. A maquiagem é impressionante. O ator não perde nada de suas expressões faciais.

As seqüências de ação são dirigidas de forma burocrática por Johnston. São bem realizadas e eficientes. Os efeitos visuais são eficazes, e um fato que me deixou feliz é que Johnston sabe usar a câmera lenta nos momentos certos, sem exceder, como alguns diretores.

Os aspectos técnicos do longa são impecáveis, como de costume nas produções da Marvel. Só o 3D que soou um pouco desnecessário, já que o filme foi convertido. É apenas um plus no projeto, nada que chame a atenção ou inove no uso da linguagem.

Capitão América: o primeiro vingador faz um bom trabalho apresentando mais um herói para a grande empreitada da Marvel. Vale à pena esperar depois dos créditos finais para ver o primeiro trailer de Os Vingadores.

Nota: 7,5

Emma (Minissérie da BBC – 2009)

2011-07-27T20:16:00.000-07:00

Direção: Jim O’Hanlon

Roteiro: Sandy Welch, baseado no livro de Jane Austen

A BBC sempre realiza ótimas séries e minisséries, e não foi diferente com Emma, do ano de 2009. É uma adaptação da obra literária de uma de minhas escritoras favoritas, Jane Austen. Seu livro Orgulho e Preconceito é um dos que mais gosto, e Razão e Sensibilidade é excelente. Nunca li Emma, mas já havia visto um filme de 1996 estrelado por Gwyneth Paltrow e tinha gostado bastante, apresar de perceber que o tom desse é bem diferente de Orgulho e Preconceito e Razão e Sensibilidade, tendendo mais para a comédia.

Emma (Romola Garai) era uma menina rica, jovem, bonita e mimada pelo pai viúvo e que nunca passou por nenhuma adversidade na vida. Ela vive na Inglaterra Vitoriana. Sua única preocupação é se emprenhar em arranjar casamentos entre os seus conhecidos, e manipular os sentimentos dos outros para formar os pares que deseja. O que ela não sabe é que seus planos podem não sair como espera, e seu julgamento a respeito dos sentimentos e interesses dos outros pode não estar sempre certo. E pior ainda: ela acaba descobrindo que não conhece nem os seus próprios sentimentos tão bem como pensava.

A minissérie não tem a qualidade da narrativa de Orgulho e Preconceito, também da BBC, mas acerta em muitos pontos. O roteiro é sólido, apresar de se perder em alguns momentos e fazer com que o espectador sinta dificuldade de acompanhar todos aqueles encontros e desencontros dos personagens. E história flui com naturalidade e conseguimos gostar e torcer pelos personagens que merecem. E quando um personagem tem que ser ambíguo e difícil de ser decifrado, o roteiro e a direção conseguem isso, o que é um bom feito.

Li sobre o desempenho de Garai como Emma, e diziam que ela estava caricata e exagerada. A sua performance com certeza não caberia bem como as heroínas de Orgulho e Preconceito ou Razão e Sensibilidade, mas para Emma, cujo tom predominante é a comédia, eu acho que ela serviu perfeitamente. Emma era um moça vivaz, passional e radiante. Não contida e racional.

O elenco no geral se sai muito bem. E destaco a qualidade da produção, no que diz respeito à direção de arte, reconstrução de época e figurinos impecáveis. A trilha sonora é expressiva e bela. Traz com eficiência o clima da época; mas fiquei com o sentimento de que os temas poderiam ser mais bem desenvolvidos e trilha um pouco mais presente na história. Mas da foram que está, cumpre bem seu papel.

Recomendo Emma para aqueles que gostam de Jane Austen e de produções de época. Com certeza é acima da média.

Nota: 8

Meia noite em Paris (Midnight in Paris)

2011-07-27T11:08:00.000-07:00

Meia noite em Paris (Midnight in Paris) – EUA/Espanha – 2011

Direção: Woody Allen

Roteiro: Woody Allen

Que Woody Allen é um ótimo roteirista e diretor, todos já sabem. Mesmo que seu trabalho não agrade a todos, não tem com não reconhecer a originalidade e genialidade de tantos títulos em sua longa carreira ou sua linguagem tão específica na forma de mostrar em seus filmes a sua visão pessimista da vida e os seres humanos. Mas, há pouco tempo estava começando a achar que estava chegando a sua hora de se aposentar, visto os últimos longas que lançou (Tudo pode dar certo e Você vai conhecer o homem de seus sonhos), que mesmo sendo interessantes, nem de longe relembravam a genialidade mostrada em Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, A rosa púrpura do Cairo, Desconstruindo Harry, Match Point, só pra citar alguns. Depois de assistir ao seu novo longa Meia noite em Paris concluí que Allen ainda tem muito a contribuir com seu trabalho. O filme tem um elenco afiado, roteiro sólido e original e muito humor irônico, característicos do diretor.

O filme conta a história de Gil Pender (Owen Wilson), que está a passeio em Paris com sua noiva Inez (Rachel McAdams) e seus sogros. Lá ele procura inspiração para escrever seu primeiro livro, visto que ele sempre trabalhou em Hollywood escrevendo roteiros, porém essa atividade não o satisfaz mais profissionalmente. Ele tem uma fascinação pela década de vinte em Paris, imaginando que aquela seria a melhor época para se viver. Imagina ainda a cidade nesse período sob a chuva. Saindo à noite à procura de inspiração para seu livro, ele acaba embarcando em um carro à meia noite que o leva para a Paris da década de vinte. Lá ele conhece seus artistas preferidos e passa a conviver com eles: Cole Porter, Zelda e F. Scott Fitzgerald, Pablo Picasso, Salvador Dalí, T. S. Eliot, e uma bela francesa chamada Adriana (Marion Cotillard) entre outros. Lá, esses artistas começam a influenciar sua escrita e ele acaba por se apaixonar por Adriana.

Allen brinca com a fantasia, com fez em A rosa púrpura do Cairo, quando, de um filme dentro de seu filme, extraiu um personagem por quem a protagonista era apaixonada. Nesse, Allen usa a viagem no tempo através de um carro que passa em certa rua de Paris à meia noite. Ele não faz questão nenhum de dar uma explicação para esse fato, e ela nem é necessária. Ela existe para poder dar suporte à história que Allen quer contar, defender a idéia que ele quer e ponto final.

Encarnando o personagem com muito talento e, acho que pela primeira vez sem os maneirismos usuais, Owen Wilson se mostra o perfeito protagonista de filmes de Allen, e encarna, de certa forma e não totalmente, a persona cinematográfica do diretor. Chega, em alguns momentos, até a gaguejar como Allen e exibir um pouco de seu gestual, além é claro, de ser o sujeito eternamente insatisfeito com sua vida e seus relacionamentos, que Allen tanto retrata em seus filmes. Quando não é o próprio diretor quem protagoniza, outro ator o faz como ele.

O elenco está ótimo, afinal, Allen dirige muito bem atores. Marion Cotillard está adorável, sensual e apaixonante como Adriana. Rachel McAdams exibe o carisma de sempre. Michael Sheen está impagável na pele do metido à intelectual e irritante Paul. Kathy Bates manda muito bem, como de costume, dando vida a Gertrude Stein. E, um dos melhores na minha opinião, é o desconhecido (pra mim) Corey Stoll, que oferece um ótima performance como o escritor Hernest Hemingway. Senti extrema vontade de conhecer melhor aquele personagem e conviver com ele. Acho que esse é o testamento do bom trabalho de um ator e do diretor/roteirista.

Partindo para o campo das idéias, demorou um pouco de tempo pra eu perceber que esse filme não fugia muito dos idealismos de Allen, que são como já disse anteriormente, a eterna insatisfação do ser humano com a vida. E é aí que ele faz um profundo estudo sobre a arte e as pessoas, apresentando vários artistas consagrados do passado em seu cotidiano na Paris da década de vinte. Ele desmistifica a aura de endeusamento que eles e as suas obras possuem, sem tirar deles a genialidade artística. Isso foi uma sacada de mestre. Assim, Gil foi entendendo o porquê da arte deles ser tão importante. Era porque eles viviam suas emoções intensamente e transmitiam isso em suas obras. E Gil através de sua paixão crescente por Adriana e também os direcionamentos de Gertrude conseguiu dar alguma importância artística para seu livro. Eu senti extrema vontade de ler o livro que ele estava escrevendo, o que mais uma vez serve como testamento de uma obra de ate eficiente.

A forma como Allen explora a nostalgia que muitos sentem é brilhante. Quando vejo seus filmes, fico pensando: “como ninguém nunca pensou em fazer um filme sobre isso?”. A nostalgia, o sentimento de achar que outra época passada era melhor do que a atual, é sempre traiçoeira e ilusória. A melhor época para se viver é agora, com todas as suas qualidades e mazelas. É o tempo que nos foi dado, e temos a obrigação de vivê-lo da melhor forma possível. E o amor, arte, amizade e diversão estão no agora, não no passado.

A parte técnica do filme excelente. Prova disso é a imediata constatação de mudança de tempo que temos quando Gil sai do bar em que se encontrava na década de vinte e anda alguns passos na rua. Lembra-se de algo que precisava falar com Hemingway e volta. No mesmo momento observamos que a década de vinte não está mais “presente” lá, e sim os dias atuais. Isso prova a eficiência da direção de arte e da fotografia.

Meia noite em Paris é o retorno de Woody Allen à boa forma. O diretor mostrou que ainda tem muito a dar para o mundo das artes, mesmo diante do fato de que ele próprio não se considera um artista.

Nota: 9,5

Quarto do Pânico (Panic Room)

2011-07-25T19:34:00.000-07:00

Quarto do Pânico (Panic Room) – EUA – 2002

Direção: David Fincher

Roteiro: David Koepp

Já nos momentos iniciais de Quarto do Pânico, somos apresentados à Meg Altamn (Jodie Foster) e sua filha visitando uma casa com um corretor de imóveis. Falando das características da casa e principalmente de um muito incomum quarto do pânico que esta possui, somos apresentados à dupla mãe e filha, conhecemos bastante da dinâmica entre as duas e o porque de estarem procurando uma nova casa: o divórcio recente. Já nesses breves momentos, David Fincher já estabelece a lógica da narrativa com muito talento, apresentando os personagens e criando uma aura de tensão que dura durante todo o longa. Exemplo disso é a tensão que Meg sente quando o corretor tranca a porta do quarto do pânico.

Logo no sua primeira noite na nova residência juntas, a casa é invadida por três assaltantes que planejam roubar os três milhões de dólares que estão no cofre. O que eles não sabem é que a casa agora é habitada (por um cálculo de dias mal feito pelo estúpido Junior) e que eles têm que lidar com a presença da mãe e da filha, que se trancaram no quarto que oferece toda a segurança exatamente para a situação em que elas se encontram. O problema é que eles não podem ir embora porque já foram gravados pelas câmeras de segurança e nem podem roubar o que há no cofre.

Com essa situação caótica, Fincher cria um verdadeiro suspense Hitchcockiano, com uma tensão que paira no ar o tempo todo e chega a ser quase insuportável ao longo do filme. E isso graças ao roteiro eficiente de Koepp, às ótimas atuações de Foster e Forrest Whitaker, à trilha sonora precisa de Howard Shore e, principalmente, à direção brilhante de Fincher.

Ele tem um extremo cuidado com o visual de seu filme, fazendo com que qualquer expectador perceba que cada sequência foi detalhadamente pensada em cada frame. Ele usa ângulos e movimentos de câmera sempre impressionantes, mas que nunca deixam de exercer uma função na narrativa, que no caso é criar tensão. Não me esqueço do genial plano sequência que mostra o quarto de Meg no terceiro andar enquanto essa dorme. A câmera sai do quarto, desce em meio às escadas, passa pelos cômodos do pavimento térreo da casa (inclusive dentro da alça de uma caneca na cozinha!) e mostra os assaltantes do lado de fora da casa tentando entrar. É claro que a sequencia é realizada com a ajuda de efeitos visuais, mas esses não tiram o brilhantismo da ideia. Existe outro plano sequência também incrível que acompanha o gás passando dentro de uma mangueira até chegar dentro do quarto do pânico. E também mais um que mostra mãe e filha dentro do quarto gritando através de um buraco no chão para tentarem se fazer ouvidas pelo vizinho. A câmera vai se afastando do buraco em direção à casa vizinha enquanto ouvimos o som da tempestade abafar os gritos. Lembrou-me um pouco um plano sequência parecido que Hitchcock criou em Frenesi, para mostrar um assassinato sendo cometido em um apartamento, ao mesmo tempo em que do lado de fora, pessoas vivem suas vidas numa rua movimentada sem ter a menor consciência do que acontecia.

Outro recurso usado com perfeição é a câmera lenta. Enquanto uns usam a cada minuto para mostrar detalhes às vezes desnecessários e para simplesmente mostrar “estilo” como Zack Snyder (não que eu não goste do diretor), Fincher usa em um único momento para criar uma tensão enorme. Meg sai do quarto para pegar o seu celular enquanto os ladrões estão no andar de baixo e podem vir a qualquer momento. A quase ausência de qualquer som e a câmera lenta são a soma perfeita para fazer o expectador literalmente segurar seu fôlego até o fim da cena.

Quem conhece a filmografia de Fincher sabe que ele não usa esse tipo de recurso gratuitamente em seus filmes, como muitos diretores fazem. Sempre há um propósito na narrativa, seja para ajudar a contar a sua história com o seu estilo, criar tensão, como nesse caso, desenvolver um personagem, etc. E é claro que a direção de Fincer é ajudada pelo ótimo roteiro de Koepp. Com duas frases ele definiu as motivações de dois ladrões. Um queria o dinheiro. O outro precisava do dinheiro. Pelas atuações, o expectador já imagina perfeitamente o porquê dos dois estrem ali.

Jodie Foster, como sempre, oferece uma performance intensa e emocional. Destaque também para Whitaker, que consegue criar um Burnham, que mesmo sendo ladrão e cometendo atos odiosos, não deixa de ser humano e digno de simpatia e pena. Infelizmente ele fez escolhas erradas que o levaram àquela situação.

O filme tem um desfecho lógico para cada personagem. E é ótimo ver, em apenas uma cena Fincher consegue fazer isso (spoiler), que mãe e filha se aproximaram depois de todo o ocorrido.

Quarto do Pânico é um suspense muito acima da média, que não pode faltar no repertório de conversas dos fãs do gênero.

Nota: 10

Frases famosas do Cinema (2)

2011-07-25T10:04:00.000-07:00

Comecei essa sessão há bastante tempo, e nunca fiz a seqüência. Bem, aí está ela. A parimeira parte pode ser lida aqui.

Você não entende! Eu poderia ter classe! Eu poderia ser um lutador. Eu poderia ter sido alguém, ao invés de um vagabundo, que é o que eu sou. (Sindicato de Ladrões)
Ele está olhando por você, garota. (Casablanca)
OK, Sr. DeMille, eu estou pronta para o meu close up. (Crepúsculo dos Deuses)
Apertem os cintos. Vai ser uma noite trepidante. (A Malvada)
Eu amo o cheiro de napalm pela manhã. (Apocalipse Now)
Um pesquisador de censo tentou uma vez me testar. Eu comi o fígado dele com feijão preto e um bom chianti. (O Silêncio dos Inocentes)
Eu sou grande! Os filmes que ficaram pequenos! (Crepúsculo dos Deuses)
Me mostra a grana! (Jerry Maguire)
Eu sinto a necessidade... Necessidade da velocidade. (Top Gun - Ases Indomáveis)
Você me ganhou em "oi". (Jerry Maguire)
Mamãe sempre disse que a vida é como uma caixa de chocolates. Você nunca sabe o que vai pegar. (Forest Gump).

Se vocês se lembrarem de mais alguma fala memorável, por favor deixem um coment.

Top 5 de Comédias Românticas

2011-07-22T14:42:00.000-07:00

Tem bastante tempo que fiz a minha lista de Top 5 da Sessão da Tarde. Hoje estou postando o Top 5 de Comédias Românticas. Mesmo que esse gênero muito querido do grande público já se mostre bastante desgastado e caia freqüentemente no clichê, não tem como negar que já rendeu títulos memoráveis e continua rendendo. Gosto muito de ver uma comédia romântica que seja original e acima da média. Aqui vão as minhas cinco favoritas:

1. O Diário de Bridget Jones (Bridget Jones’s Diary – Inglaterra – 2001)

Direção: Sharon Maguire

O filme que está no todo da minha lista de comédias românticas conta a história da atrapalhada Bridget, que como qualquer mulher na faixa dos trinta anos, está à procura da felicidade: realização no trabalho e encontrar o homem ideal. O filme apresentou a carismática Reneé Zellweger ao mundo, encantou, fez rir e emocionou a todos. Imperdível.

2. Quatro casamentos e um funeral (Four weddings and a funeral – Inglaterra – 1994)

Direção: Mike Newell

Charles (Hugh Grant) conhece uma jovem por quem se apaixona no casamento de um amigo. Ele tinha muita dificuldade de entrar em relacionamentos. O filme mostra a busca de Charles e seus amigos por amor verdadeiro e um casamento feliz. É uma profunda reflexão dos relacionamentos humanos, felicidade e amor. Além de muito divertido.

3. Quanto mais quente, melhor (Some like it hot – EUA – 1959)

Direção: Billy Wilder

Dois músicos atrapalhados testemunham um massacre executados por gângsteres. Para escapar, resolvem se disfarçar de mulher e entrar numa banda só para moças. Lá eles conhecem Sugar (Marilyn Monroe) e se aventuram em uma turnê com a banda. Um deles se apaixona por Sugar e o outro, faz um ricaço se apaixonar por ele. No meio de tiroteios e números musicais, o filme é inesquecível por trazer a direção genial de Wilder, a sempre sensual e divertida Monroe e a dupla impagável Tony Curtis e Jack Lemmon como as travestis.

4. Simplesmente amor (Love, actually – Inglaterra/EUA – 2003)

Direção: Richard Curtis

O longa segue a vida de várias pessoas, cujas histórias se entrelaçam em uma aeroporto. Com humor, romance, drama, personagens interessantes e revelações inesperadas, o filme se torna inesquecível para os que já viram. Roteiro, direção e elenco perfeitos.

5. Uma linda mulher (Pretty Woman – EUA – 1990)
Direção: Gary Marshall

O tom é de conto de fadas. Uma prostituta simpática, linda e cativante conhece um milionário nas ruas de Los Angeles. Ele a contrata para lhe fazer companhia enquanto fica na cidade. Eles se apaixonam e vivem um amor impossível para os dois. O que fazer diante de tal situação? O final Hollywodiano foge do realismo, mas quem se importa? O filme é lindo, divertido e encantador. Julia Roberts (até então desconhecida) se tornou estrela do dia pra noite.

Se vocês tiverem mais alguma em mente (com certeza têm!), deixem um comentário para relembrarmos. Mais listas como essa serão postadas no blog num futuro próximo.

O Hobbit – expectativa

2011-07-22T10:08:00.001-07:00

Quem me conhece sabe o quanto eu gosto do Livro O Senhor dos Anéis de J. R. R. Tolkien e dos filmes de Peter Jackson. Então, foi com muita alegria que eu soube, ano passado, que o livro O Hobbit (também de Tolkien, que narra acontecimentos anteriores aos da saga do anel) iria ser filmado, sob a direção de Guilherme Del Toro e com roteiro assinado pelo trio que adaptou O Senhor dos Anéis: Peter Jackson, Philippa Boyens e Fran Walsh. Depois de muitas notícias e indefinições, Del Toro abandonou o projeto e Peter Jackson assumiu a direção, visto que era a escolha mais obvia e lógica. Fiquei mais feliz ainda com a notícia. Admiro muito o trabalho de Del Toro, mas mais ainda o de Jackson. Ontem vi um ótimo vídeo de bastidores postado por Jackson em sua página no facebook, que pode ser visto aqui. Minha expectativa no projeto é muito grande, mesmo sabendo que o tom do livro O Hobbit é bastante diferente de O Senhor dos Anéis. A trilogia do anel é mais séria, densa e dramática, enquanto a história de Bilbo e os anões é mais divertida e tem um apelo mais infantil, como o próprio Tolkien dizia. Agora é só esperar até o final de 2012 (nossa!) para conferir o longa. Acho que vou reler o livro (já li umas 3 vezes) antes da estréia. Isso vai depender se Daniele me devolver antes disso. Ela me prometeu ler antes da estréia (tem um ano e meio para fazer isso) e assistir ao filme comigo. Vamos ver.

Quem também está na espera, deixa um coment. :P

Harry Potter e as relíquias da morte parte 2 (Harry Potter and the deathly hollows part 2)

2011-07-18T14:30:00.000-07:00

Harry Potter e as relíquias da morte parte 2 (Harry Potter and the deathly hollows part 2) – Inglaterra/EUA – 2011

Direção: David Yates

Roteiro: Steve Kloves

Por incrível que pareça, esse é o meu primeiro texto aqui no blog sobre a série Harry Potter, que eu tanto gosto. Talvez seja porque mantenho o blog desde o início do ano passado, e de lá pra cá só estreou um título, além desse; ou por preguiça mesmo de começar a escrever sobre a saga desde o início. A questão é: Harry Potter se estabeleceu como um marco no Cinema por vários motivos. Os fãs apaixonados pelo livro se tornaram apaixonados pelos filmes e a aura de fantasia e inventividade do mundo de J. K. Rowling conquistou todas as idades. Não conheço uma franquia tão longa e tão bem sucedida, somando um total de 10 anos desde o primeiro, 8 filmes e muitos bilhões em bilheterias mundiais (Star Wars é um caso a parte). O trio de protagonistas foi alçado ao sucesso mundial da noite para o dia, e além deles, os filmes contam com um elenco de apoio com os melhores atores ingleses da atualidade. Só pra citar alguns: Gary Oldman, Maggie Smith, Kenneth Brannagh, Emma Thompson, Helena Bonhan Carter, Ralph Fiennes, Alan Rickman, Jim Broadbent, Michael Gambon, Timothy Spall, entre outros.

O filme parte do ponto onde a parte 1 parou. Harry precisa achar as horcrux que possuem parte da alma de Voldemort, e encontrar um jeito de destruí-las, tendo assim alguma chance de matá-lo definitivamente. Hogwarts agora é dirigida pelo cruel Prof. Snape. O terror se instalou em todo o mundo bruxo, e Harry só conta com o amor e a coragem de seus amigos.

O roteirista Kloves deixou praticamente toda a ação para esta segunda parte. O filme já começa com um tom de urgência e perigo de morte sempre iminente. Mas esse aspecto do roteiro também não impede que Yates crie momentos mais ternos e reflexivos, sem fazer com que a narrativa perca o ritmo. Exemplo disso são os dois momentos em que Harry encontra e conversa com personagens que já partiram. E sua amizade e confiança com Hermione e Rony se torna praticamente o fio condutor da narrativa, não deixa de ser desenvolvida. Afinal de contas, porque Harry iria querer lutar, se ele já perdeu toda a sua família? A resposta é simples: ele encontrou outra família. Hogwarts, o mundo bruxo, Gina, mas principalmente seus dois colegas de turma. A amizade dos três faz com que a luta presente no longa do bem contra o mal faça sentido para o espectador. Todos entendem perfeitamente qual é o bem pelo que eles estão lutando e qual é o mal com o qual eles estão lutando.

Pelo fato de já conhecermos muito bem todos os personagens e o mundo bruxo em si, afinal já se passaram sete filmes, Yates se concentra mais em concluir a história desenvolvida ao longo dos filmes anteriores. Ele traz um tom épico nunca presente antes em nenhum dos outros. As cenas da invasão de Hogwarts pelos Comensais da Morte é de uma grandiosidade que lembra um pouco a trilogia O Senhor dos Anéis. E a fuga do trio em um dragão é de tirar o fôlego. Assim como outras inúmeras seqüência memoráveis.

É nesse ponto que entram em ação os efeitos visuais e sonoros espetaculares. Yates provou que sabe dirigir um filme e se mostrou a escolha acertada para concluir a série. A evolução é clara: Chris Columbus cumpriu bem o papel de dar início à saga, mas não acrescentou nada de novo ao material. Alfonso Cuarón dirigiu o terceiro, o melhor de todos pra mim, de forma inventiva e ousada. O quarto ficou a cargo de Mike Newell, que cai no mesmo caso de Columbus, um pouco mais bem sucedido. A partir do quinto, Yates assumiu a batuta e mostrou a que veio. Os filmes tomaram um tom mais sombrio (como nos livros) e a história ficou mais adulta (como os personagens).

Concluindo a série arrancando muitas lágrimas dos fãs e aqueles que nem são tão fãs assim, Harry Potter e as Relíquias da Morte parte 2 encerra um marco na história do Cinema, como eu disse, e deixa um gostinho ácido para aqueles que leram os livros como eu e cresceram junto com o Harry, acompanhando suas aventuras periódicas, seja esperando o livro novo ser publicado ou o filme novo ser lançado. Acabou, pessoal. Agora é aproveitar esse momento, depois comprar os DVDs/Blue Rays e reler os livros.

Nota: 10

Vai aqui minha lista dos longas em ordem de preferência. Não significa que eu não goste dos últimos. É só preferência mesmo.

1) O prisioneiro de Azkaban

2) As relíquias da morte parte 2

3) O enigma do príncipe

4) As relíquias da morte parte 1

5) A ordem da Fênix

6) O Cálice de Fogo

7) A Pedra filosofal

8) A Câmara Secreta

Entre dois amores (Out of Africa)

2011-07-12T07:10:00.000-07:00

Entre dois amores (Out of Africa) – EUA – 1985

Direção: Sydney Pollack

Roteiro: Kurt Luedtke, baseado no livro de autobiográfico de Karen Blixen

Mesmo tendo uma aura de épico e grandioso, Entre dois amores é antes de qualquer coisa, um filme intimista, que mantêm o foco no relacionamento de Karen (Meryl Streep) e Denys (Robert Redford), mas principalmente, na jornada emocional e de aprendizado de Karen na África, na qual ela acaba amadurecendo e se encontrando como ser humano.

O filme tem início na Dinamarca na década de 1910, terra natal de Karen. Com poucos minutos, Pollack já começa a estabelecer as características de seus personagens. Karen e o Barão Bror Blixen (Klaus Maria Brandauer) decidem se casar por um motivo fora do convencional. Karen era amante de seu irmão, mas agora sem este, vê no casamento com o barão a conclusão óbvia da história dos dois, já que eram amigos e precisavam se estabelecer diante da sociedade.

Os dois se casam e vão para África, para, com o dinheiro de Karen, iniciar uma fazendo de gado. Quando chega, Karen já percebe que seus planos foram mudados por seu marido sem seu consentimento, o que gera uma crise no casal. Ele decidiu cultivar café na fazenda, mesmo ninguém nunca tendo conseguido plantar café com a altitude que a fazenda possui.

Devido às constantes ausências do marido, Karen acaba por se envolver com o caçador Denys, começando um romance passional e ao mesmo tempo profundo com este, e se encantando pelo homem que é um tanto um tanto bruto, mas sensível a ponto de escutar Mozart e se emocionar ao ouvir e boas histórias.

Pollack conta a sua história sem pressa alguma, tomando todo o tempo necessário para criar e dar profundidade a seus personagens e desenvolver os relacionamentos entre eles e seus conflitos.

As atuações de Streep (como sempre) e Redford são encantadoras. Comedidas, sem exageros de expressões, mas extremamente profundas e emocionais. Há uma total entrega aos personagens. O público jamais perde a conexão emotiva com eles e jamais os julga. Mesmo Karen às vezes parecendo moralista, sempre se preocupando com a opinião da sociedade (como as suas conversas sobre casamento) e seu título, ou mesmo se mostrando egoísta, ela nunca deixa de ser apenas um ser humano, aos nossos olhos, com defeitos e qualidade. E não é difícil imaginar por que ela se apaixonou por Denys, que tem uma personalidade tão semelhando da sua, mas diferente em outros pontos, o que faz com que os conflitos e discussões dos dois sejam plausíveis, e aumentam ainda mais o interesse de um pelo outro.

Pollack tem um enorme cuidado com o visual do filme, abusando dos planos que mostram as lindas paisagens da fazenda na África, acompanhado pela maravilhosa trilha sonora de John Barry. O passeio de avião do casal no terceiro ato do longa é inesquecível. A recriação de época e os figurinos também são impecáveis.

Quando Karen chega à fazendo e encontra os nativos, ela os trata como animais. No fim de sua jornada na África, ela lutou pelos direitos deles às suas terras. Ela tinha aprendido com a convivência que eles eram seres humanos como qualquer um. Teve a oportunidade de ver a vida do ponto de vista deles e se compadecer de sua situação. Esse é o remédio para qualquer tipo de intolerância e preconceito.

Entre dois amores (não gosto muito do título em português) é um filme que tem a sua importância no fato de emocionar o espectador verdadeiramente, sem manipulação, e por ser um retrato de uma época e um tempo.

Nota: 9,5

Transformers – o lado oculto da Lua (Transformers – dark of the Moon)

2011-07-05T10:15:00.000-07:00

Transformers – o lado oculto da Lua (Transformers – dark of the Moon) – EUA – 2011

Direção: Michael Bay

Roteiro: Ehren Kruger

Transformers (2007) era medíocre, mas passava como diversão barata. Transformers – a vingança dos derrotados (2009) era insuportável, e como definiu minha irmã Natália muito bem: um estupro áudio-visual. Agora esse que encerra a trilogia (será que acaba mesmo?), Transformers – o lado oculto da Lua é menos pior que o segundo, mas ainda assim medíocre e desnecessário.

Considerando que os filmes são baseados em brinquedos de plástico, é difícil conseguir encontrar alguma relevância no projeto, além da vontade do estúdio de ganhar milhões com o grande público que não se importa em ver nada além de carros se transformando em robôs, muitas explosões e cenas de ação.

Se esse terceiro longa é um pouquinho melhor do que o segundo, é por um motivo, e somente: as cenas de ação são infinitamente melhores, bem filmadas, sem a câmera epilética e os cortes a cada fração de segundos. O expectador entende o que acontece, quem está lutando contra quem, quem está se dando bem, etc... Um ponto alto do filme, como é de se esperar, são os efeitos visuais e sonoros. Afinal, o orçamento multimilionário tinha que ser empregado em alguma coisa, não é? Os robôs são extremamente convincentes e as explosões e outros artefatos do arsenal de Bay são excelentes e impressionantes. O uso do 3D é bem razoável também. Bay utiliza bastante os planos com maior profundidade, enquadramentos e movimentos de câmera sempre elegantes (tenho que admitir), mas na maioria do tempo eles não têm muito propósito na narrativa (também tenho que admitir).

A história tem início na década de 60, quando os americanos foram à Lua pela primeira vez com a Apolo 11, e então descobrimos o verdadeiro objetivo da missão. O pouso da NASA é na verdade uma investigação para recuperar os restos de uma arca, lançada por Sentinel Prime, líder dos Autobots, contendo a tecnologia que poderia salvar a sua espécie. Atacados por Starscream, a arca então caiu na lua. Sam Witwicky (Shia LaBeouf) está agora tentando fazer com que seu relacionamento com Carly (Rosie Huntington-Whiteley) dê certo, mas se sente ameaçado pelo chefe bonitão e milionário da moça. Ao mesmo tempo tem que arranjar um novo emprego, lidar com seus pais em sua casa, e uma guerra iminente entre os Autobots e os Decepticons.

Shia LaBeouf exibe o carisma e talento habituais, mas seu personagem não é nada mais do que uma desculpa para a história existir. Huntington-Whiteley é o que tem que ser: a gostosa que substitui Megan Fox. O elenco ainda conta com nomes importantes como Frances McDormand e John Malkovich, que com certeza só aceitaram participar do projeto pelo dinheiro, ou talvez por ter o Steven Spielberg na produção. Os personagens são vazios, e não despertam nenhuma empatia nos expectadores. E quando um deles “morre” (entre aspas, por ser um robô), mesmo sendo de certa importância na história, não me emocionou nem um pouco. Aliás, o filme é nada mais do que um espetáculo de efeitos visuais e sonoros, visto que se passaram longas duas horas e meia, e o único sentimento despertado em mim foi à ansiedade que as seqüências de ação despertam em qualquer um. Emoção nenhuma foi evocada. Acho que se os Decepticons vencessem e os heróis fossem mortos, eu não ficaria nem um pouco triste. Acho que até um pouco aliviado.

Michael Bay também fez questão de mostrar o seu machismo logo nos momentos iniciais, mostrando primeira a bunda de Carly e depois seu rosto. O mesmo tratamento com as mulheres continua no resto do filme. Carly nada mais é do uma gostosa sem personalidade. Deve ser a idéia de Bay de mulher ideal.

Mesmo considerando Bay essencialmente medíocre e limitado, ainda tenho um pressentimento lá no fundo de que se ele filmar um roteiro muito bom ele consegue fazer um bom filme. Visto o ótimo A Rocha e os razoáveis Bad Boys, A ilha e Armagedon. O resto de sua filmografia pra mim é lixo.

A nota que dou para o longa é para a parte técnica, pura e simplesmente.

Nota: 3,5

Na praia (On Chesil Beach)

2011-07-01T07:46:00.000-07:00

Autor: Ian McEwan

Editora Companhia das letras, 2007, 128 páginas

Contando a história de um jovem casal, ambos virgens, em sua lua de mel em um hotel na praia, McEwan consegue captar o espírito social, político e comportamental de toda a geração de jovens da Europa no início da década de 60. Isso mostra sua competência enquanto autor, não só em contar uma boa e envolvente história sobre pessoas, mas em situar precisamente seus personagens no tempo e no espaço. E é o que toda boa ficção faz: é um retrato fiel de um período e uma época.

Edward é um jovem encantador e vivaz, recém formado em história e que mal pode esperar para começar sua vida conjugal com Florence, uma violinista sensível e bem nascida, por quem está apaixonado. O relacionamento dos dois é muito bem descrito e desenvolvido por McEwan. Mesmo com poucas páginas, ele consegue nos fazer sentir que conhecemos profundamente os dois e torcemos pela felicidade deles, tamanha é a empatia que criamos por eles e a qualidade que ele consegue na construção de seus personagens. O mesmo acontecia com Briony e também os outros personagens, com descrevi em meu texto sobre Reparação.

Os dois têm as mais altas expectativas sobre a noite de núpcias: Edward mal se contém para ter em seus braços a sua tão recatada noiva, por quem está muito apaixonado, mas que sempre reprimiu suas investidas em algo mais íntimo. Mas agora finalmente chegou o momento. Ele teme também se apressar demais em sua ânsia e acabar estragando tudo. Florence, com toda a sua inexperiência e seu medo do ato sexual, se sente pressionada por suas obrigações agora de esposa, não tem nenhuma experiência e nem deseja ter, mas ao mesmo tempo quer agradar seu noivo.

Com essa situação conflituosa, rica de facetas e muito interessante, McEwan faz o que ele sabe de melhor, que é descrever pensamentos e sentimentos dos seus personagens de forma profunda e com um estilo único, como um nunca vi nenhum autor fazer. E com isso, faz com que nos aproximemos tanto daquelas pessoas.

Através de “flashbacks”, que muitas vezes se passam na mente dos protagonistas ou mesmo contados pelo narrador, conhecemos um pouco do passado do relacionamento dos dois, de como se conheceram e toda a bagagem emocional que os dois carregam até culminar no ponto onde o livro de inicia, que é o casal já no hotel de sua lua de mel.

Usando o contraponto de seus personagens com personalidades bem diferentes, McEwan consegue situar a história, como já disse, com maestria. Ele usa o amor de Florence pela música erudita e o interesse de Edward em rock and roll para estabelecer o cenário artístico da época e a transição pela qual a sociedade passava, de algo mais clássico para o revolucionário; e como isso influenciava o comportamento das pessoas. Além do interesse musical de seus heróis, ele usa também a profissão de Edward (formado em história) para levantar discussões sobre o panorama político e social da época. Jogada de gênio. Além é claro dos conceitos, opiniões e sentimentos que passam pela mente dos dois, plausíveis para pessoas inseridas naquele contexto, mas que soariam pouco verdadeiras nos dias de hoje.

O final pode não agradar a muitos leitores, mas eu acho que é o desfecho perfeito diante de tudo que o autor vinha “defendendo” durante o livro. Outro desfecho mais fabulesco soaria falso de forçado. A sensação que tive é que ele descreve a morte de uma geração e o nascimento de outra.

Estou ansioso para ler mais livros de Ian McEwan.

Nota: 10

Maratona Harry Potter

2011-06-27T11:59:00.000-07:00

Estou fazendo uma maratona Harry Potter nos últimos dias. Até agora já assisti até o quarto filme da franquia, e até agora o meu preferido tem se confirmado como o terceiro (O prozioneiro de Azkaban) dirigido por Alfonso Cuarón. Porque ele não continuou dirigindo o resto dos filmes? Enfim... Tenho me divertido muito e acho que nunca assisti tantos filmes num único dia, graças à Julien, Phillipe, Elbert, Bruno e Leo. Agora estamos combinando de fazer uma maratona O Senhor dos Anéis (o que me agradou mais ainda do que a de Harry Potter) visto que ano que vem no fim do ano (tá bom, falta muito, eu sei) vai estrear O Hobbit. Tá certo que a história de O Hobbit se passa antes da de O Senhor dos anéis, mas já dá pra entrar no clima da Terra Média. Falei para os meus amigos que esse programa Harry Potter me pareceu muito teen (sou o mais velho do grupo), mas eu estou adorando! Que venham os últimos três filmes!

Sessão “Como esquecer?” (1)

2011-06-27T11:38:00.000-07:00

Se existe algo que todos que já tenham assistido a um bom filme sabem, mesmo que de forma empírica, é que a obra de arte chamada Filme, com os seus atributos áudio-visuais e o bom uso da linguagem cinematográfica podem causar um enorme impacto emocional e intelectual nos expectadores. E como conseqüência desse impacto, vem uma aprendizagem que retiramos da história à que estamos assistindo, ou temos apenas nossas emoções tocadas de alguma forma: seja rindo, chorando, nos assustando, ficando revoltados, relaxados, etc... Mas uma coisa todos sabem: o bom Cinema leva os seus espectadores a uma profunda reflexão.

Baseado nisso, resolvi criar essa sessão intitulada “Como esquecer?”. Seu objetivo é relembrar os momentos de um filme que ecoaram na nossa mente muito tempo depois que saímos da sala de cinema. Os momentos em que toda a história de certo filme convergiu e culminou num clímax inesquecível. Ou um momento que apenas nos fez chorar ou rir, evocando nossos sentimentos mais básicos.

Gostaria que vocês comentassem as cenas e sugerissem outras para os próximos capítulos da sessão.

Spoiler alert!
O Senhor dos Anéis – A Sociedade do Anel (The Lord of the rings – the Fellowship of the Ring – 2001)
Descrição da cena: Gandalf impede que o Balrog, a criatura de fogo das profundezas de Mória, passe pela ponte de Khazad-Dûm e destrua a Sociedade do Anel.
Nesta hora percebemos os perigos aos quais a Sociedade está submetida e a magnitude do poder do Mago Gandalf. Qualquer pessoa fica sem fôlego e na beira do assento assistindo à cena. Peter Jackson estava criando um clássico e um marco na história do Cinema.

Sobre meninos e Lobos (Mystic River – 2003)
Descrição da cena: Jimmy Markum (Sena Penn) chega ao local de um crime e percebe que a sua jovem filha é o corpo.
A atuação de Penn e a direção segura de Clint Eastwood fazem da cena o que ela é. São necessários vários policiais para conter o homem revoltado, que mostra que tanto suas demonstrações de amor quanto as de ódio são violentas. A cena diz muito a respeito de seu personagem e deixa qualquer um com um nó na garganta e com medo do que vem a seguir.

Lawrence da Arábia (Lawrence of Arabia – 1962)
Descrição da cena: Lawrence contraria todos os peregrinos e volta para resgatar um colega que caiu no deserto devido à exaustão.
Com a frase “Nada está escrito!...” Lawrence (Peter O’Toole) não só vai na contramão das tradições e crenças religiosas do povo da Arábia, no qual ele estava inserido, mas mostra a sua natureza rebelde para com as regras e também muita nobreza de caráter. Descobrir suas motivações no filme é tarefa difícil, visto que elas parecem mudar a cada momento; mas uma coisa é fato: Lawrence amava ser idolatrado pelo povo, e sua atitude descrita na cena com certeza ajudou muito. E o vento levou (Gone with the Wind – 1939)
Descrição da cena: Scarlet O’Hara chega em Tara depois da Guerra e encontra a fazenda destruída, sua mãe morta, seu pai louco e suas irmãs perdidas.
Quando Scarlet (Vivien Leigh) jura debaixo do por do sol em Tara que nunca mais vai passar fome, nem que tenha que roubar, matar e mentir, ninguém a julga. Porque até ali tínhamos acompanhado sua jornada pela sobrevivência e também por amor. E um dos instintos mais básicos dos seres humanos é, sem dúvida, o de sobrevivência. Scarlet demonstrou que tinha de sobra pra ela, pra toda sua família e também para Melanie. O Mágico de Oz (The Wizard of Oz – 1939)
Descrição da cena: Dorothy (Judy Garland), depois de conhecer seus três novos amigos na terra de Oz e encontrar com o poderoso mágico, chega a uma curiosa conclusão.
Um filme cheio de profundidade e subtextos disfarçado num filme infantil. É assim que eu costumo definir “O mágico de Oz”. Quando Dorothy aprende que “não há lugar como o lar...” é porque ela passou por toda uma jornada que mostrou isso a ela. E nesse meio tempo, nós nos divertimos com as canções inesquecíveis, os personagens adoráveis e a história envolvente.
Vou tentar manter o número de cinco cenas por capítulo. Até a próxima.

Bonequinha de Luxo (Breakfast at Tiffany’s)

2011-06-27T09:53:00.001-07:00

Bonequinha de Luxo (Breakfast at Tiffany’s)

Autor: Truman Capote

Editora Companhia das Letras, 2005, 152 páginas

A narrativa de Bonequinha de Luxo flui com muita facilidade por dois motivos: a excelente escrita de Truman Capote, que conta a história de forma estilosa e sempre interessante e a excêntrica e irresistível personagem Holly, uma prostituta de luxo (posso dizer isso?) que vive em Nova York e tem sua história contada no livro através de seu novo vizinho, a quem chama de Fred.

O relacionamento de Holly e seu novo vizinho é muito bem desenvolvido pela narrativa, e nós, enquanto”ouvintes” da história que ele, o vizinho, tem pra contar, conseguimos entender perfeitamente o fascínio que a moça exerce sobre ele e sua sempre crescente curiosidade em decifrar quem ela de fato é e suas reais motivações na vida. Assim entendemos quando ele se intromete entre Holly e seu passado; vemos que sua atitude foi nada menos do que curiosidade e um pouquinho também de vingança. E descobrir as verdadeiras motivações da moça não a diminui. Pelo contrário: tornam-na ainda mais interessante.

Gostei muito de ver a falta de julgamentos e moralismo de Capote ao descrever seus personagens, que poderiam ser tratados como fúteis, vulgares e sem valores morais por outro autor, mas ele os trata simplesmente como seres humanos, dotados de qualidade e defeitos, e que possuem seu passado, e como todos as pessoas, são afetadas por ele.

Recomendo o livro, que é uma leitura leve e interessante. Aliás, recomendo ler o livro e depois assistir ao filme homônimo de 1961 baseado nele, dirigido por Blake Edwards e estrelado pela adorável Audrey Hapburn.

Nota: 9

Kung Fu Panda 2 (Idem)

2011-06-13T11:30:00.001-07:00

Kung Fu Panda 2 (Idem) – EUA

Roteiro: Jonathan Aibel e Glenn Berger

Direção: Jennifer Yuh Nelson

Vivendo o sonho de ser o Dragão Guerreio e mantendo a paz no Vale ao lado dos cinco furiosos, seus novos amigos e ídolos no passado, Po (Jack Black) agora se vê obrigado e defender a China de ser dominada por um terrível pavão em posse de uma arma secreta. Ao mesmo tempo, Po tem que enfrentar o seu passado e entender a sua enigmática origem, visto que ele com certeza não era filho do carinhoso ganso que o criou desde que era um panda bebê.

Logo no início, tomamos conhecimento que Po não apenas irá embarcar em uma aventura para derrotar este novo inimigo, mas ele parte sim numa jornada para o descobrimento de sua paz interior, como o seu mestre Shifu (Dustin Hoffman) lhe orienta e acima de tudo de onde ele veio e quem de fato ele é, visto que ele pensa que a sua origem irá defini-lo como pessoa.

O filme já começa com uma ótima seqüência de ação em que Po e os cinco furiosos têm que defender a vila de um grupo de ladrões que quer roubar todo o metal do lugar. A cena tem muito vigor, e faz com que os espectadores matem um pouco a saudade daqueles personagens interessantes, divertidos e seus estilos diferentes de lutar. Aliás, todas as lutas presente no longa são como as do filme anterior, de alta qualidade, se tratando de um filme de kung fu. Não conheço a técnica da luta, mas a “câmera” de Nelson se mantém firme e capturando a ação de forma que o espectador possa entender tudo que acontece na tela. Sem contar que as lutas são “coreografadas” de forma sempre inventiva. Isso é uma característica que falta nos filme de ação atuais, que geralmente apostam na câmera frenética e cortes muito rápidos, impedindo que o espectador acompanhe o que acontece.

O roteiro segue a lógica do primeiro, apostando no crescimento e amadurecimento de Po. Se no primeiro ele conseguiu realizar se sonho de ser um lutador de Kung Fu (o melhor de todos, por sinal), aqui ele se vê enfrentando seus fantasmas do passado que sempre o assombraram e descobre o valor das amizades que construiu, e principalmente o valor do seu pai adotivo, que mesmo com toda a sua simplicidade de cozinheiro de macarrão, o ensinou a ser quem ele é hoje.

Esses pontos podem parecer lições baratas de fim de filme Hollywoodiano medíocre, mas aqui elas são passadas de fora fluída e diluída na história, o que faz com que a assimilação seja maior do que se um personagem no film do filme dissesse algo do tipo “acredite em si mesmo...” etc.

O visual do filme em 3D e o uso da idéia de profundidade e das possibilidades que a tecnologia proporciona são incríveis. Nelson não desperdiça nenhuma oportunidade de criar um belo plano das paisagens do lugar, ou usar movimentos de câmera e enquadramentos que só são possíveis na animação.

Um ponto que me incomodou um pouco foram as piadas gratuitas feitas relacionadas à Po na maioria das vezes seu peso ou estômago. No início elas são engraçadas, mas quando usadas exaustivamente perdem o seu propósito. Ainda assim o filme é engraçadíssimo. O senso de humor é no geral inteligente e sagaz. Nunca bobo ou de mau gosto.

Os flashbacks que mostram a infância de Po são muito emocionantes e têm um visual incrível, como na seqüência inicial do primeiro filme. É em animação 2D tradicional e no estilo de animes de artes marciais. Os fãs do gênero vão gostar muito.

Kung Fu Panda 2 não é uma seqüência desnecessária como muitas que vemos em Hollywood. A história faz sentido, diverte e emociona.

Nota: 8,5

Festival Varilux de Cinema Francês

2011-06-10T11:08:00.000-07:00

Para aqueles que moram em Campos - RJ como eu que acham a programação dos cinemas no geral muito ruim, essa próxima semana terão opções de filmes um pouco mais variadas. O Cinemagic no Shopping Avenida 28 está promovendo o Festival Varilux de Cinema Francês, com 11 longa metragens nos estilos mais variados. Imaginem o meu choque ao saber da notícia do festival no Cinemagic. Me lembrei no ano passado quando entrou em cartaz Abraços Partidos de Pedro Almodóvar. Um filme que não é um dos blockbuster do tipo que o cinema está acostumado a exibir. Vou assistir quantos longas eu puder e depois compartilho a minha opinião aqui com vocês.

A programação pode ser conferida aqui.

Segue abaixo a lista de filmes do festival:

Xeque-mate
Vênus Negra
Um gato em Paris
Uma doce mentira
Simon Werner desapareceu...
Potiche: esposa troféu
Os nomes do amor
O pai dos meus filhos
Lobo
Copacabana

Pixar – emprego dos sonhos

2011-06-07T13:43:00.001-07:00

Faz pouco tempo que comprei o Box com os três filmes Toy Stoy e já revi os dois primeiros. Minha paixão pela série só aumentou, como eu já esperava, e olha que eu ainda nem revi a maravilhosa terceira parte lançada ano passado e que ocupa um lugar especial no meu coração. Mas o mais interessante foi assistir aos extras dos DVDs, que apresar de serem muito simples e curtos, são excelentes. Eles tratam principalmente do processo criativo da Pixar e da dinâmica dos funcionários, através de divertidas entrevistas com John Lasseter, o diretor criativo, e sua equipe.

O que mais me chamou a atenção foi o espírito colaborativo na criação. Mesmo o filme tendo apenas um diretor, o sentimento que eu tive foi que todos os funcionários têm um pedacinho do/no filme. O trabalho de grupo é incrível. Todas as opiniões artísticas são ouvidas e respeitadas, e expandidas em novas idéias e possibilidades. E a melhor declaração dada por Lasseter foi que eles não têm a intenção de fazer filmes por fazer, apenas para vender ou acrescentar mais um na lista. Eles querem contar histórias que importem, sejam emocionantes e também divertidas. E quando você olha a invejável lista de longas feitos pelo estúdio, isso se comprova. Com pouco mais de 15 anos de história, o grupo nunca lançou um filme que não estivesse entre muito bom ou excelente no meu ponto de vista (sem falar nos pequenos clássicos modernos Ratatoullie e Wall.E).

E ver a dinâmica de criação entre os funcionários faz parecer que trabalhar na Pixar é o emprego dos sonhos para qualquer animador ou pessoa envolvida no Cinema. O estúdio não está fazendo filmes do ponto de vista comercial da coisa, e sim procuram o tempo todo fazer arte que tenha alguma importância.

O relato de Lasseter de um fato ocorrido durante a produção de Toy Story 2 é ótimo. Um dos poderosos diretores criativos da Disney fez várias alterações no roteiro e storyboards do filme para a forma que ele achava melhor. A equipe alterou da forma que ele desejava. Depois vendo o resultado final, Lasseter percebeu que esse não era o filme que ele queria fazer. Não era o Woody que ele havia idealizado e nem as idéias que ele queria passar. A partir dali ele decidiu concluir o filme da forma que ele e o seu grupo achavam melhor sem seguir opiniões de terceiros, além da família Pixar. O resultado todos nós já sabemos.

Agora é só esperar ansiosamente por Carros 2, a ser lançado esse ano, Brave e Monstros S.A. 2 no ano que vem.

Quem não conhece a lista de longas do estúdio pode conferí-la aqui.

Voltando à atividade

2011-06-06T11:43:00.000-07:00

Depois de um longo hiato sem escrever aqui, volto hoje à atividade escrevendo sobre X-Man: Primeira Classe, que gostei muito. Assisti ao filme no fim de semana na companhia de ótimos amigos (Julien, Phillipe e Bruno). Estou saindo de um período meio conturbado na vida profissional e pessoal também, mas percebi como que escrever aqui no blog me faz falta. Estou com outro projeto de voltar a me dedicar mais à leitura também. Não consegui terminar de ler Guerra e Paz que está na sessão “estou lendo”. Vou adiar um pouco mais. Essa semana eu comprei “Bonequinha de Luxo” de Truman Capote e “Na praia” de Ian McEwan. Estou com grande expectativa de ler os dois por dois motivos. Já vi o filme Bonequinha de Luxo e amei. Já li Reparação de Ian McEwan e fiquei maravilhado, sem falar no filme excelente de Joe Wright baseado nele. Vou começar por Bonequinha de Luxo, e depois vocês vão saber minha opinião sobre. Algo me diz que ela será positiva. Estou de volta à ativa. É só me chamar para assistir a um bom filme que eu topo.

Abraços

X-Man: Primeira Classe (X-Man: First Class)

2011-06-06T11:30:00.000-07:00

X-Man: Primeira Classe (X-Man: First Class) – EUA – 2011

Direção: Matthew Vaughn

Roteiro: Bryan Singer, Josh Schwartz, Jane Goldman e Jamie Moss

Os filmes de super-heróis são geralmente subestimados pelo público mais conservador, mas na última década as revistas em quadrinhos se mostraram uma fonte de inspiração que gerou ótimos títulos, que além de serem bom entretenimento, tem uma ambição narrativa acima da média, discutindo idéias com profundidade, com personagens complexos e histórias sempre interessantes. Bons exemplos são a trilogia X-man dirigida por Brian Singer, Os dois primeiros Homen Aranha e os dois maravilhosos Batman Begins e Batman – O cavaleiro das trevas, entre outros.

Neste ótimo X-Man: Primeira Classe Matthew Vaughn mantém o mesmo nível de qualidade da trilogia original criada por Singer (que colabora com o roteiro deste) e realiza a complicada tarefa de contar uma história em que todos já sabemos o final e mesmo assim esta não deixa de ser interessante, impressionar e emocionar em nenhum momento.

Logo nos primeiros momentos somos apresentados ao garoto Erik (que viria a ser o Magneto que todos conhecemos) durante a Segunda Guerra Mundial, onde este tem a mãe assassinada diante de seus olhos e num acesso de raiva demonstra seu poder, o que desperta o interesse do general Shaw (Kevin Bacon), seu algoz. Já na década de 60 conhecemos o jovem Charles Xavier (James McAvoy) que inicia uma amizade com Erik. Os dois mantêm um respeito mútuo e uma admiração pela inteligência e pelos ideais um do outro. Tempos depois Charles decide usar seus poderes psíquicos para encontrar e reunir jovens com poderes em sua escola para treiná-los e prepará-los com fins pacíficos, assumindo a direção junto com seu amigo Erik.

O filme é muito bem sucedido em mostrar o sofrimento dos mutantes pelo fato de possuírem algo diferente da maioria das pessoas, e como eles são estigmatizados pela sociedade, que não sabe lidar com eles, e por eles mesmos, por desejarem simplesmente serem normais. E isso é brilhantemente demonstrado pela trajetória da Raven/Mistica (Jennifer Lawrence) e Hank/Fera (Nicholas Hoult) através do ótimo roteiro e das atuações eficientes.

Outro ponto a favor do longa é a humanização do personagem Erik/Magneto, que na trilogia já era um homem complexo e que carregava os traumas do passado, mas aqui podemos acompanhar de fato sua história, e o que o levou a ser um homem guiado pelo ódio.

Nunca li os quadrinhos da Marvel, mas segundo as pessoas que lêem, os criadores tomaram várias liberdades artísticas e modificaram elementos da história. Não sei quais são esse elementos e se nos quadrinhos eles funcionam melhor do jeito que são, mas o filme é muito coeso em si, e as mudanças feitas colaboraram para um melhor resultado final da obra enquanto filme. Fãs mais rigorosos podem não gostar do filme por isso, mas eles têm que entender que concessões têm que ser feitas para se adaptar uma obra para o cinema. O que tem que ser levado em conta é o respeito para com a obra original em seu tom e estilo.

Os efeitos visuais são razoáveis, mas nada que atrapalhe o andamento da história. São convincentes como devem ser. A direção de Vaughn é eficiente tanto nas cenas de ação quanto nos momentos mais introspectivos, como por exemplo, o momento em que Charles tem acesso a uma memória de Erik e se emociona ao agradecer ao amigo por ter compartilhado algo tão importante para o outro.

X-Man: Primeira Classe é mais um exemplar para se juntar a lista no primeiro parágrafo deste texto.

Nota: 10

Período de poucos posts

2011-03-27T05:34:00.001-07:00

Quem acompanha esse blog sabe que eu gosto de ver muitos filmes e principalmente escrever sobre eles aqui. Mas nos últimos tempos eu tenho achado pouco tempo para ver os meus amados longa metragens (tem mais de três semanas que eu não vou no cinema) e ainda menos tempo para escrever sobre eles. Pode-se notar também minha falta de tempo pelo longo período que Azincourt ficou na sessão “estou lendo”. Nem sei quantos meses, mas já terminei de ler, e hoje publiquei uma curta resenha sobre o livro de Cornwell que gostei bastante. O trabalho está bem puxado (e tem como a engenharia ser diferente?) e eu tenho me dedicado a outras coisas também, mas vale ressaltar que o pesar de não estar assistindo filmes na média de freqüência que eu gostaria não para de martelar na minha cabeça. Uma falha minha que eu tento corrigir é a falta de disciplina com meu tempo. Tenho consciência disso e tento mudar todos os dias. Estou num período de mudanças e transição na minha vida, mas vou me esforçar para continuar postando pelo menos umas duas vezes por mês. Sei que num futuro próximo espero ter mais tempo para me dedicar a esta arte que eu tanto amo, talvez até de outras formas além de ver e escrever sobre filmes.

Abraços

Azincourt (Idem)

2011-03-27T05:17:00.000-07:00

Azincourt (Idem)

Autor: Bernard Cornwell

Editora Record, 2008, 448 páginas

Nick Hook é um jovem e talentoso arqueiro inglês que acaba, depois de sobreviver a um massacre aos hereges de uma pequena comunidade, por entrar no exército inglês e lutar contra a França na chamada Guerra dos Cem Anos e no ápice do período, que foi a Batalha de Azincourt.

Com uma narrativa muito bem desenvolvida, Cornwell prende a atenção do leitores desde as primeiras páginas, fazendo com que nos identifiquemos com Hook e suas desventuras na vida, mas acima de tudo, sua coragem e retidão de caráter. Isso faz com que até os atos de extrema violência cometidos pelo rapaz nas batalhas seja relevado por nós, visto que entendemos que ele está lutando pela sua sobrevivência e em honra ao seu amado rei Henrique V. As batalhas são narradas com maestria por Cornwell (seu forte) e a história não deixa de ser interessante em nenhum momento. Um ponto que deixa a desejar a meu ver é que sobra pouco tempo para explorar os sentimentos, motivações e pensamentos dos personagens. Por exemplo, o relacionamento de Nick Hook e Melisande acontece muito rápido, sem muitos diálogos e descrições de pensamentos e sentimentos dos dois. Parece que Cornwell queria partir logo pra ação e não perder muito tempo com isso, mas seu erro foi esse, já que o leitor só se importa com personagens humanos e com jornadas emocionais realistas e bem desenvolvidas.

A Batalha clímax de Azincourt é contada com maestria. Não consegui parar de pensar no potencial cinematográfico do livro, e me peguei até pensando em qual diretor faria um bom trabalho adaptando a obra. Coisa de cinéfilo... Mas por fim, recomendo Azincourt como fonte de informação histórica e por ter personagens e uma história interessante.

Nota: 7

PS.: Valeu pelo presente, Isabel.

Cisne Negro (Black Swan)

2011-02-08T13:19:00.000-08:00

Cisne Negro (Black Swan) – EUA - 2010

Direção: Darren Aronofsky

Roteiro: Mark Heyman, Andres Heinz e John McLaughlin

Com um currículo impecável e de fazer inveja em qualquer diretor, Darren Aronofsky está acostumado a tratar de tramas complexas e com personagens que passam por perturbações ou grandes mudanças emocionais. Aqui neste maravilho Cisne Negro ele nos entrega mais uma obra digna de ser vista, revista e que deve ser relembrada por muito tempo.

Nina (Natalie Portman) é uma bailarina que dedica todos os minutos do seu dia a sua arte. Em parte por amor, e em parte por pressão da mãe controladora. Depois de ter um sonho sobre o balé O lago dos Cisnes que a deixa intrigada, descobre em sua Academia que uma montagem moderna no espetáculo será produzida pela companhia e que o diretor (Vincente Cassel) está à procura de uma protagonista, só que esta irá interpretar tanto a Cisne branca quanto a negra, completamente opostas entre si.

Infantilizada pela mãe controladora e repressora, Nina não tem dificuldade em encarnar a Cisne branca, sensível, frágil e meiga; mas quando se trata de Cisne negra, Nina não consegue se entregar completamente à personagem, sensual, impulsiva e até mesmo maléfica. E com a ajuda do brilhante diretor do balé e sua nova colega de cena (a ótima Mila Kunis) que se apresenta exatamente este seu oposto, a moça vai aos poucos se entregando ao seu lado mais sombrio tanto no palco quanto na realidade.

Usando um jogo de cena que desde o momento contrapõe os lados “branco e negro” da protagonista, Aronofsky não desperdiçar nenhum momento em tela sem que não use a linguagem cinematográfica para transmitir o que quer. Parada no metro, Nina, com a pele do rosto branca, vê seu reflexo no vidro completamente negro. E o jogo com os espelhos que Aronofsky usa ao longo do filme são simplesmente geniais.

A trilha sonora mescla temas do Lago dos Cisnes de Tchaikovsky com uma trilha original muito marcante e expressiva, que se encaixa perfeitamente na história. O design de som é perfeito, captando os ruídos provenientes do assoalho enquanto os dançarinos fazem seus movimentos, mostrando a dificuldade dos movimentos que eles executam tendo que passar o máximo de leveza possível; ou quando ouvimos som de asas baterem ao vermos as bailarinas girando.

Fotografado com perfeição um uma câmera de mão sempre em movimento, o longa passa uma incrível noção de realismo, mesmo nas cenas contendo as “ilusões” da protagonista. E qualquer performance que fosse menos do que excelente estragaria o resultado final, mas Natalie Portman se entrega totalmente à personagem, com uma voz frágil e insegura quando é dominada pela sua mãe, ou quando decide reagir a todos, assumindo seu lado mais sombrio, abraçando sua sensualidade e domínio de caráter. E na apresentação do final isso fica claro, quando ela encarna o cisne negro em sua totalidade, e os seus suspiros durante a dança que antes eram de esforço, se tornam suspiros sensuais.

Por fim, ainda dá tempo de correr e assistir a esse jovem clássico nas salas de Cinema.

Nota: 10

Desejo e Reparação (Atonement)

2011-01-05T12:03:00.000-08:00

Desejo e Reparação (Atonement) – Inglaterra/França – 2007

Direção: Joe Wright

Roteiro: Christopher Hampton, baseado no livro de Ian McEwan

Atos têm conseqüências. Toda ação tem uma reação no universo. É baseado nessa premissa que Ian McEwan escreveu o maravilhoso livro Reparação que conta a história da garotinha Briony Tallis, dona de uma imaginação muito fértil e um talento para escritora que, durante um dia quente de verão na Inglaterra de 1935, depois de presenciar três fatos estranhos envolvendo sua irmã Cecilia (Keira Knightley) e o filho da empregada Robbie (James McAvoy), acaba realizando um julgamento errado que muda a vida do casal pra sempre. Atormentada pelo erro que cometeu, tenta repará-lo.

Assim como o ótimo filme do mesmo ano O caçador de Pipas, Desejo e Reparação traz como protagonistas crianças que, com toda a sua imaturidade, falta de conhecimento e sem poder de julgamento têm que tomar decisões sérias que acabam por mudar a vida de pessoas amadas, percebendo somente depois com a maturidade o erro que cometeram e a proporção terrível que as conseqüências tomaram.

A direção de Wright é impressionante, como já tinha mostrado no excelente Orgulho e Preconceito de 2005. Ele usa em abundância os planos subjetivos, movimentos de câmera sempre elegantes, acompanhando os personagens caminhando dentro da mansão, caminhando no parque etc., que dão a impressão no espectador de ser um observador presente no lugar. Um exemplo disso é quando Briony observa da janela de seu quarto os conseqüências que seu depoimento traz e percebe o que fez. A câmera vai se aproximando de seus olhos num close fechadíssimo, ao mesmo tempo que a trilha sonora entra em um crescendo.

A história se passa com muita fluidez, visto que observamos os fatos através dos olhos de Briony, para pouco tempo depois observar o mesmo fato de perto e ver o que realmente aconteceu. Isso é de extrema importância para o funcionamento da narrativa e para não julgarmos a garota, que mesmo sendo mimada e arrogante, não tem culpa alguma do que fez, pelo simples fato de ser uma criança e não entender por completo o que se passa ao seu redor.

E se imaginamos a princípio que estamos a assistir um drama de época que irá se passar apenas na mansão dos Tallis, com um corte seco nós somos levados à Segunda Guerra Mundial, já que Robbie decidiu se alistar para sair da prisão. A narrativa toma proporções maiores mostrando os horrores da Guerra. E o momento que sempre tira o meu fôlego é quando Robbie chega à praia de Dunkirk e encontra o acampamento dos ingleses. Wright acompanha Robbie num plano-seqüência (cena sem cortes) de dimensões gigantescas, observando a ação dos ingleses que tem que destruir tudo que vai ser deixado para trás que pode ser usado pelo inimigo. A cena é melancólica, tocante e dura por volta de cinco minutos sem um único corte. A logística da produção de uma cena deste nível é inimaginável.

Aliás, toda a produção merece elogios, desde a direção de arte que recria a década de 30 de forma brilhante, os figurinos elegantes (ressalto o lindo vestido verde usado por Cecilia), as locações impressionantes, e o já citado plano-seqüência na praia, tudo fotografado de forma muito competente.

O elenco está perfeito. Keira Knightley cria uma ótima Cecilia, moça burguesa que tenta reprimir os seus sentimentos por um rapaz de classe mais baixa. James McAvoy, ator talentoso, confere a Robbie um ar de simplicidade, ambição e ao mesmo tempo desprezo com sua situação social, o que às vezes contrasta com sua atitude com Cecilia, visto que na época, a diferença era algo difícil de ser ignorado. Mas quem impressiona mesmo é a jovem Saoirse Ronan, que cria uma Briony complexa, imatura e mimada, que mesmo às vezes arrogante, não deixa de ser apenas infantil. E Vanessa Redgrave é ótima em mostrar o peso de carregar um arrependimento por toda uma vida.

Outro ponto alto do filme é a trilha de Dario Marianelli. Ele cria temas marcantes e emocionantes e ao mesmo tempo mescla os sons provenientes do que vemos na tela com a sua música. Exemplo disso são as pancadas de um guarda-chuva num carro unidos à orquestração ou mesmo o barulho de uma máquina de escrever constante ao longo de todo o filme que revela no fim o seu propósito. Poucas vezes escutei uma trilha tão tocante.

Com um final que deixa um nó na garganta, o longa brinca com a linguagem cinematográfica, assim como o livro brinca com a literária, manipulando os sentimentos do espectador. Afinal, não é manipulação de sentimentos o que procuramos quando pegamos um bom livro pra ler ou vemos um bom filme?

Nota: 10

Incontrolável (Unstoppable)

2011-01-05T12:01:00.000-08:00

Incontrolável (Unstoppable) – EUA – 2011

Direção: Tony Scott

Roteiro: Mark Bomback

Velocidade Máxima foi um pequeno marco para os filmes de ação frenética, com a ótima Sandra Bullock e o inexpressivo Keanu Reaves. Infelizmente a continuação foi um grande embaraço sem o mesmo carisma e boa história do primeiro. De lá pra cá, alguns exemplares do gênero tentaram repetir o mesmo o feito, mas sem muito sucesso, até este Incontrolável do irmão um pouco menos talentoso de Ridley Scott, Tony Scott, responsável em 2009 pelo ruim O Sequestro do Metro 123, também estrelado por Denzel Washington.

Seu novo longa Incontrolável conta a história do maquinista Frank prestes a se aposentar (Danzel Washington) que nos seus últimos dias de trabalho tem que treinar, com má vontade de sua parte obviamente, o novato Will (Chris Pine). Num dia comum de trabalho, um trem carregado de substâncias perigosas, por acidente sai da estação sem maquinista em alta velocidade sem conseguir ser parado pela torre de comando causando estrago por onde passa. Frank e Will acham que podem parar o trem e resolvem tentar a sorte.

O filme tem a mesma lógica de Velocidade Máxima, tentando relatar o ato heróico dos dois homens para salvar as vidas em risco no caminho do trem. O problema do roteiro é que ele não gasta muito tempo desenvolvendo seus personagens ou tenta conferir alguma profundidade à história. O foco é o salvamento do trem e pronto. Frank e Will são meras marionetes usadas com o propósito de contar uma história de ação. O destaque fica por conta de Rosario Dawson, sempre cativante e cheia de energia, consegue criar uma personagem carismática numa história rasa.

As cenas são rodadas com talento por Scott, conseguindo causar tensão no espectador e fazem com que este entenda e acompanhe tudo que se passa na tela sem muita dificuldade, adotando uma montagem limpa, sem câmeras epiléticas ou cortes muito brutos.

Se você está procurando entretenimento sem compromisso, e está sem vontade de pensar muito, pode assistir Incontrolável que irá te servir perfeitamente.

Nota: 6

Lista completa de filmes vistos em 2010

2011-01-04T17:54:00.000-08:00

Para quem não sabe, a classificação é a seguinte:

* péssimo

** ruim

*** razoável

**** bom

***** excelente

Aqui vai a lista completa de longas vistos em 2010:

1. 500 dias com ela ((500) Day of Summer – 2009) *

2. 9 - A salvação (9 – 2009) ***

3. A abadia de Northanger (Northanger Abbey – 2007) ****

4. A espera de um milagre (The green Mile – 1999) *****

5. A Estrada (The road – 2010) *****

6. A felicidade não se compra (It’s a wonderful life – 1946) *****

7. A fita branca (Das weisse band – 2009) *****

8. A lenda dos guardiões (legendo f the Guardians – 2010) ****

9. A letra escarlate (The scarlat letter – 1995) *****

10. A maldição da flor dourada (Man cheng jin dai huang jin jia - 2007) *****

11. A origem (Inception – 2010) *****

12. A partida (Okuribito/Departures – 2008) *****

13. A Princesa e o Plebeu (Roman Holiday – 1953) *****

14. A princesa e o sapo (The princess and the Drog – 2009) ***

15. A prova de morte (Death proof – 2007) *****

16. A queda – as últimas horas de Hitler (Der Untergang – 2004) *****

17. A Última tentação de Cristo (The Last teptation of Christ - 1988) *****

18. Abraços partidos (Los abraços rotos – 2009) ****

19. Além da linha vermelha (The thin red line – 1998) *****

20. Alice no país das maravilhas (Alice in Wonderland – 2010) ****

21. Alien – o oitavo passageiro (Alien – 1979) *****

22. Amantes (Two lovers – 2009) *****

23. Amor sem escalas (Up in the air – 2009) *****

24. Anticristo (Ant crist – 2009) *****

25. Apocalypto (Idem – 2007) *****

26. As crônicas de Nárnia – a viagem do peregrino da alvorada (The Voyage of the Dawn Treader – 2010)

27. As melhores coisas do mundo (Idem – 2010) *****

28. Assassinato no expresso do Oriente (Murder on the Orient Express – 1974) *****

29. Atividade Paranormal (Paranormal Activity – 2009) *****

30. Atividade paranormal 2 (Paranormal Activity 2 – 2010) ***

31. Avatar (Idem – 2009) *****

32. Away we go (Idem – 2009) *****

33. Boogie nights – prazer sem limites (Boogie nigths – 1997) *****

34. Brideshead (Brideshead – desejo e poder – 2009) **

35. Brilho de uma paixão (Bright Star – 2009) ****

36. Casablanca (Idem – 1942) *****

37. Charada (Charade – 1963) *****

38. Chéri (Idem – 2009) *****

39. Chico Xavier (Idem – 2010) ****

40. Como treinar seu dragão (How to train your dragon – 2010) *****

41. Contato (Contact – 1997) *****

42. Cortina rasgada (Torn Courtain – 1966) ****

43. Crepúsculo dos Deuses (Sunset Boulevard – 1959) *****

44. Criação (Criation – 2009) ****

45. De volta para o future parte II (Back to the future part II – 1989) *****

46. De volta para o futuro (Back to the future – 1985) *****

47. De volta para o futuro parte III (Back to the future part II - ) *****

48. Desejo e perigo (Lust, caution – 2007) ****

49. Direito de amar (A single man – 2009) *****

50. Drácula de Bram Stoker (Bram Stoker’s Dracula – 1992) *****

51. Dreamgirls (Idem – 2006) ****

52. E o vento levou (Gone with the wind – 1939) *****

53. Eclipse (Idem – 2010) ***

54. Ed Wood (Idem – 1994) *****

55. Educação (An Education – 2009) *****

56. Encontro Explosivo (Knight and Day – 2010) ****

57. Entre irmãos (Brothers – 2009) *****

58. Entre os muros da escola (Entre les Murs – 2009) *****

59. Entrevista com o vampiro (Interview with the vampire – 1994) *****

60. Festim diabólico (Rope – 1948) *****

61. Fúria de titãs (Clash of the titans – 2010) ***

62. Hamlet (Idem – 1996) *****

63. Harry Poter as relíquias da morte parte 1 (Harry Potter and the deathly hallows – 2010) *****

64. Heróis (Push – 2009) ****

65. Idas e vindas do amor (Valentine’s Day – 2009) ****

66. Ilha do medo (Shutler Island – 2010) *****

67. In the loop (Idem – 2009) *****

68. Indiana Jones e os caçadores da arca perdida (Raiders of the Lost Ark – 1981) *****

69. Intrigas de Estado (State of play – 2009) ****

70. Invictus (Idem – 2009) ****

71. Janela Indiscreta (Rear window – 1954) *****

72. Joana D`arc (Joan D`Arc – 1999) ****

73. Julie e Julia (Julie & Julia – 2009) ***

74. Kill Bill (Idem – 2003) *****

75. Lobisomem (The Wolf Man – 2010) ***

76. Magnólia (Magnolia – 1999) *****

77. Margot e o casamento (Margot at the wedding – 2008) *****

78. Mary & Max (Idem – 2009) *****

79. Megamente (Megamind – 2010) *****

80. Nascido para matar (Full metal jaket – 1987) *****

81. Nicky e Noah (Nick and Noah – 2008) *****

82. Nine (Idem – 2009) ****

83. O amor acontece (Love happens – 2009) *

84. O amor não tem regras (Leatherheads – 2008) ****

85. O assassinato de Jesse James pelo covarde Robert Ford (The assassination of Jesse James by the

Coward Robert Ford – 2007) *****

86. O escritor fantasma (The ghost writer – 2010) *****

87. O Fabuloso destino de Amelie Poulain (Le Fabuleux destin d`Amélie Poulain – 2001) *****

88. O Fantástico Mr. Fox (Fantastic Mr. Fox – 2009) ****

89. O Golpista do ano (I love you Phillp Morris – 2009) *****

90. O guia do mochileiro das galáxias (the hitchhiker's guide to the galaxy –2005) *****

91. O Homem de ferro 2 (Iron man 2 – 2010) *****

92. O Jogador (The player – 1994) *****

93. O livro de Eli (The book of Eli – 2010) ****

94. O mágico de Oz (The Wizard of Oz – 1939) *****

95. O Mensageiro (The Messenger – 2009) *****

96. O peregrino (The Pilgrim’s progress – 2007) ****

97. O Pianista (The Pianist – 2002) *****

98. O Poderoso Chefão (The Godfather – 1972) *****

99. O Poderoso chefão parte II (The Godfather part II – 1978) *****

100. O Poderoso Chefão parte III (The Godfather part III – 1990) *****

101. O segredo de seus olhos (El segreto de sus ojos – 2009) *****

102. O senhor dos Anéis – a sociedade do anel (The Lord of the rings – the fellowship of the ring – 2001)

*****

103. O senhor dos Anéis - as duas torres (The Lord of the rings – the two towers –2002) *****

104. O senhor dos anéis – o retorno do rei (The lord of the rings – the return of the king – 2003) *****

105. O último imperador (the last emperor – 1986) *****

106. O último mestre do ar (The last airbender – 2010) ***

107. Oliver Twist (Idem – 2005) ***

108. Onde vivem os monstros (Where the wild things are – 2009) *****

109. Orgulho e preconceito (Pride and Prejudice – 1940) ****

110. Os Espíritos (The Frighteners – 1996) *****

111. Peixe grande e suas histórias maravilhosas (Big Fish – 2004) *****

112. Plano B (The back up plan – 2010) ***

113. Platoon (Idem – 1986) *****

114. Preciosa (Precious – 2009) *****

115. Príncipe da Pérsia – as areias do tempo (Prince of Persia – the sands of time –2010) ***

116. Quando fala o coração (Spellbound – 1945) *****

117. Quase famosos (Almost famous – 2000) *****

118. Rebecca a mulher inesquecível (Rebecca – 195 ) *****

119. Revelação (What lies beneath – 2000) ***

120. Robin Hood (Idem – 2010) **

121. Salt (Idem – 2010) ***

122. Shrek pra sempre (Shrek Forever – 2010) **

123. Simplesmente complicado (It’s Complicated – 2009) ***

124. Sin City – a cidade do pecado (Sin City – 2005) *****

125. Tá rindo de quê? (Funny People – 2009) ***

126. Terra fria (North country – 2005) ****

127. The last station (Idem – 2009) *****

128. Tinha que ser você (Las chance Harvey – 2009) *****

129. Titanic (Idem – 1997) *****

130. Toy Story 3 (Idem – 2010) *****

131. Toy Story 3 (idem – 2010) *****

132. Tropa de elite (Idem – 2007) *****

133. Tropa de elite 2 (Idem – 2010) *****

134. Um homem sério (A serious man – 2009) *****

135. Um olhar no paraíso (The lovely Bones – 2009) *****

136. Um sonho possível (The blind side – 2009) ****

137. Uma noite fora de série (Date night – 2010) ****

138. Up – Altas aventuras (Up – 2009) *****

139. Vício Frenético (Bad Lieutenant – 2010) ****

140. Vigaristas (The brothers Bloom – 2009) ****

141. Wall Street – O dinheiro nunca dorme (Wall Street – Money never sleeps – 2010 *****

142. Wall Street (Idem – 1987) *****

143. Zodiaco (Zodiac – 2004) *****

144. Zorba, o grego (Zorba, the greek – 1964) *****

145. Zumbilândia (Zombiland – 2009) *****

Magnólia (Magnolia)

2010-12-21T14:12:00.000-08:00

Magnólia (Magnolia) – EUA – 1999

Roteiro: Paul Thomas Anderson

Direção: Paul Thomas Anderson

Não é fácil resumir o enredo de um filme como Magnólia. O longa dirigido pelo brilhante Paul Thomas Anderson narra a vida de vários personagens ao longo de um dia decisivo em suas vidas, em que são apresentados às situações críticas e tem que reagir diante delas.

O filme começa com um prólogo narrado em off de três situações reais que podem ser consideradas coincidências, mas que são estranhas demais e fazem qualquer um pensar que seja uma obra do “destino” ou mesmo do simples fato de que todas as ações têm suas reações, por mais estranhas e adversas que essas podem ser. É baseado nessa premissa, de que nada é por acaso, que Anderson desenvolve seu roteiro e dirige de forma genial e sensível a história desses nove personagens que a princípio não tem nada em comum, mas que tem suas vidas cruzadas em certo momento.

Já acostumado a trabalhar com elencos grandes, como em Boogie Nights, Anderson tem um grande talento para dirigir atores e para conferir profundidade a seus personagens, visto que cada um dos nove protagonistas se apresenta um ser humano complexo (como todos são na vida real) com várias dimensões em suas personalidades, não figuras unidimensionais que são tão comuns em muitos filmes.

Não dá pra descrever cada um deles, mas para se citar como exemplo, existe o homem que foi abandonado pelo pai quando criança e que teve que cuidar da mãe com câncer, e quando adulto, criou um programa de auto-ajuda para homens que querem aprender a conquistar mulheres interpretado perfeitamente por Tom Cruise. Temos também um homem idoso no leito de morte que se arrepende dos seus atos pregressos. Este mesmo homem tem uma esposa mais jovem (a sempre ótima Juliane Moore) que às vésperas de perder seu marido, percebe que o amava, visto que tinha casado por interesses financeiros; e assim temos mais uma imensa galeria de pessoas comuns, enfrentando seus medos e fantasmas do passado e as adversidades que este mesmo passado provoca no presente. E não é com estranheza que no clímax da narrativa, a cidade é submetida a uma chuva de sapos, fato raro de acontecer, mas que é possível, desempenhando assim um papel essencial no desfecho da narrativa. Destaque também para o anticlímax em que todos os personagens cantam a mesma canção em momentos críticos e decisivos do dia. Muito emocionante.

E se a direção de Anderson é perfeita, com seus planos-seqüência impecavelmente realizados e seu cuidado com o visual do longa, a montagem também desempenha papel muito importante. Afinal, contar a história complexa de nove pessoas em três horas de duração não e tarefa fácil, e o que vemos na tela acontece de forma muito fluída e causa muito impacto no expectador. Vale notar que quem realizou a montagem foi o próprio P. T. Anderson sob um pseudônimo. Outro aspecto vital para a veracidade do que vemos são as impecáveis atuações. Sensíveis ou mesmo caricatas, todas as performances são honestas e muitos convincentes.

Magnólia é um dos filmes mais importantes da década passada. P. T. Anderson mostrou que o ótimo Boogie Nights não era sorte de principiante.

Nota: 10

Além da linha vermelha (The thin red line)

2010-12-07T12:50:00.000-08:00

Além da linha vermelha (The thin red line) – EUA – 1998

Direção: Terrence Mallick

Roteiro: Terrence Mallick

O que é a Guerra? Porque ela faz parte da história dos seres humanos e até da natureza em si? O que ela causa na vida daqueles que participam dela? O que motiva soldados a lutar em uma batalha cuja causa não é deles? Um dia esse ciclo de violência e desumanidade terá fim? É tentando responder essas perguntas e muitas outras relacionadas à guerra que Terrence Mallick nos presenteia com esse sensível relato sobre em grupo de soldados na Campanha do Pacífico durante a Segunda Guerra Mundial.

Além da linha vermelha não é um filme de guerra convencional, que se concentra nas batalhas. Mallick mantém o foco na mente de seus protagonistas, usando abundantemente uma eficiente narração em off. Aliás, o filme não tem nenhum personagem mais ou menos importante. Todos são protagonistas de suas próprias histórias e têm suas jornadas e emoções muito bem desenvolvidas pelo roteiro e direção. Aliás, o elenco é admirável. Conta com nomes como George Clooney, Sean Penn, Adrien Brody, Jim Caviezel, John Cusack, Woody Harrelson, Nick Nolte e John C. Reilly, entre outros.

Mas, mesmo se concentrando no emocional e no que a guerra representa para os soldados e membros do exército, Mallick impressiona nas cenas de batalha, extremamente bem dirigidas, com centenas de figurantes e várias ações acontecendo ao mesmo tempo na tela, ele consegue reger todo o espetáculo da forma que cause maior impacto no espectador e ao mesmo tempo ajude a contar algo sobre as pessoas que estamos vendo. Muitos filmes que tem como plano fundo a guerra são feitos, mas poucos são originais. Esse é um deles.

A linha vermelha a qual o título se refere é na verdade a tênue linha que separa os civis que esperam seus entes queridos voltarem da guerra daqueles desafortunados que participaram dela. Uma vez cruzada a linha, a humanidade e inocência dos soldados com relação ao mundo estão perdidas.

Mallick já provou ser um cineasta que não faz filmes por fazer. Ele conta uma história quando tem um motivo para fazê-lo.

Nota: 10

Reparação (Atonement)

2010-11-17T13:34:00.000-08:00

Reparação (Atonement)

Autor: Ian McEwan

Editora Companhia das Letras, 2002, 456 páginas

A história sobre uma família da aristocracia inglesa durante a Segunda Guerra Mundial de McEwan a primeira vista pode parecer um livro tradicional, que conta somente uma história (muito bem contada, por exemplo), mas à medida que as páginas se vão diante dos olhos do leitor e nosso conhecimento sobre aquelas vidas vai se aprofundado, percebemos que não estamos diante de uma obra literária qualquer, mas de um livro em que o autor brinca com a linguagem literária e manipula o intelecto e as emoções do leitor.

Briony Tallis é uma garotinha de onze anos, mimada e com uma imaginação acima da média, o que a impulsiona a escrever histórias fantásticas e peças para sua família além de torná-la uma ávida observadora do comportamento de todos ao seu redor. Num dia quente de verão de 1935 ela presencia três fatos estranhos envolvendo sua irmã Cecilia e o filho da empregada Robbie que a deixam chocada e com um julgamento sobre Robbie equivocado. Mas tarde, depois do jantar, quando um crime acontece, ela é levada a acreditar que Robbie é o culpado, o que atesta em depoimento. Sua decisão muda a vida do casal, e em conseqüência a sua, quando anos mais tarde, durante a Guerra, percebe o terrível erro que cometeu e tenta repará-lo.

O que mais me atraiu na escrita de McEwan é sua análise psicológica e emocional profunda dos personagens. Suas descrições dos pensamentos e motivações são muito marcantes e coerentes. O que é mais evidenciado ainda pelo fato de temos a oportunidade de presenciarmos o mesmo acontecimento por vários pontos de vista diferentes. Dá uma perspectiva completamente nova à história e humaniza todos os seus personagens, sem criar vilões ou mocinhos, apenas pessoas comuns sujeitas a errar ou acertar.

O livro poderia se tornar apenas uma viagem emocional desinteressante na mente dos personagens através de seus infortúnios, mas a habilidade narrativa de McEwan prende a atenção do leitor a cada página como eu poucas vezes fiquei preso a um livro. E a jornada que percorri lendo o livro foi, como alguns podem pensar, não apenas racional devido ao uso não-convencional da linguagem literária, mas foi também emocional, visto que me envolvi com os personagens, me importei com eles e sofri com suas deventuras.

Reparação é leitura super recomendada.

P.S.: Existe um filme de 2007 chamado Desejo e Reparação dirigido por Joe Wright que captura a essência da obra de McEwan e é arte à altura do livro.

A felicidade não se compra (It’s a wonderful life)

2010-11-03T11:58:00.000-07:00

A felicidade não se compra (It’s a wonderful life) – EUA – 1946

Direção: Frank Capra

Roteiro: Philip Van Doren Stern e Frances Goodrich

De tempos em tempos algum cineasta competente realiza um filme do tipo, como eu costumo dizer, “sobre a vida”. Um filme que trata do sentido de nossas existências e do porque de estarmos aqui neste mundo, e o que realmente importa aqui. Bons exemplos desses filmes sobre “a vida” são Contato (1997), As Horas (2002), Ao amanhecer (2007), Um sonho de liberdade (1994), entre outros. E agora que vi este fantástico A felicidade não se compra de Frank Capra o coloco no topo da lista.

George Bailey (James Stewart) é um homem que nunca quis seguir a carreira de banqueiro do seu pai. Ele queria sair de sua pequena cidade Bedford Falls para conhecer o mundo. Porém, por causa da necessidade de todos a seu redor devido a opressão causada pelo manipulador Sr. Potter que possuía quase todos os negócios da cidade e explorava os moradores, George se viu na obrigação de ajudar aquelas pessoas com seu banco e seu esquema de empréstimo para construção da casa própria. Por isso ele nunca conseguiu realizar o seu sonho, até que pensou em se matar por causa de uma dívida adquirida por acidente. Foi quando recebeu uma mãozinha de um anjo que veio do céu para ajudá-lo com o objetivo de ganhar sua promoção e suas asas.

Capra desenvolve a história com um tom muito leve e descontraído, como um ótimo “filme de Natal”, mas isso não significa que a narrativa não tenha seus momentos tensos e dramáticos. Os personagens são trabalhados com muito cuidado pelo roteiro, sem que nenhum deles se torne uma caricatura ou desumano, e sim pessoas comuns, com qualidades e defeitos e com facetas diferentes em suas personalidades, passíveis de mudança. Assim o amadurecimento de George ao longo da história com sua mudança de paradigmas e de sentido que dava à vida é completamente convincente. Principalmente com a ajuda do anjo da guarda atrapalhado que tem.

Valores profundos como amizade, amor, família e lealdade são passados de forma muito coesa e sem soar como liçõezinhas de fim de filmes hollywoodianos. Quando o anjo mostra a George como seria o mundo se ele não tivesse nascido, não tem como não se emocionar e aprender algo muito simples e profundo a respeito da existência: a nossa vida influencia outras pessoas tão intensamente e em tantos níveis diferentes.

A felicidade não se compra é um dos melhores Christmas movie de todos os tempos. Deve contar no currículo de todos que gostam de Cinema, da vida e de se emocionar com boas histórias.

Nota: 10

Atividade Paranormal 2 (Paranormal Activity 2)

2010-11-02T07:49:00.000-07:00

Atividade Paranormal 2 (Paranormal Activity 2) – EUA – 2010

Direção: Tod Williams

Roteiro: Michael R. Perry

Os acontecimentos desse novo Atividade Paranormal 2 se passam antes do período narrado no primeiro filme, sucesso de bilheteria e bastante eficiente como filme de suspense e terror. Kristi e sua família voltam de férias e encontram sua casa revirada como se tivesse sido invadida por um ladrão, mas nenhum objeto foi roubado, com exceção de um colar que sua irmã Katie (do primeiro filme) tinha dado de presente e as portas não tinham sido arrombadas. Assustados com o fato de ter sua casa invadida, o casal resolve colocar câmeras de segurança por toda a casa que gravam 24 horas por dia tudo que acontece. Depois disso, os moradores da casa começam a notar coisas entranhas acontecendo na casa, encaradas primeiramente com ceticismo por Daniel, marido de Kristi, mas que depois se tornam sérias demais para serem ignoradas.

Essa continuação assume a mesma lógica do primeiro, mostrando as atividades causadas pelo espírito maligno de forma bem gradativa, causando assim uma tensão crescente. E a direção de Williams é muito eficiente em assustar a platéia e causar medo. Assim, quando vemos certa personagem ser arrastada pelo espírito para o porão, sabemos o mal que aquilo representa. E a atuação do elenco é bastante eficiente, dando veracidade àquelas pessoas comuns que se vêem envolvidas em algo sobrenatural que não conseguem combater.

O roteiro só erra um pouco em deixar o ritmo cair nos primeiros 40 minutos de projeção, deixando a história se tornar um tanto monótona pela falta de acontecimentos, sempre mostrando as imagens das câmeras de segurança em que nada acontece. Mas acerta em explicar e dar mais complexidade ao primeiro filme.

Não sendo muito original em relação ao primeiro, essa continuação nunca deixa de surpreender. E faz também muito bom uso da câmera subjetiva introduzida nos filmes de terror através do ótimo A Bruxa de Blair. A seqüência final é de tirar o fôlego.

Nota: 7

Tropa de Elite 2 (Idem)

2010-10-29T04:53:00.000-07:00

Tropa de Elite 2 (Idem) – Brasil – 2010

Direção: José Padilha

Roteiro: Bráulio Mantovani

Muitos anos depois dos acontecimentos narrados no excelente primeiro filme de 2007, Capitão Nascimento (Wagner Moura) agora, depois de ser tirado do comando do BOPE devido a uma invasão mal sucedida em Bangu Um, passa a ocupar o cargo de sub-secretário de segurança do Rio de Janeiro e enfrentar outro inimigo, como diz o subtítulo: os políticos. Ele descobre um esquema de corrupção nas milícias da polícia militar nas favelas apoiado pelo governador e por deputados. Ao mesmo tempo Nascimento tem que lidar com problemas com seu filho adolescente e sua ex-esposa, casada com um deputado defensor dos direitos humanos.

O primeiro filme já era muito eficiente em abordar a luta do BOPE contra o tráfico de drogas nos morros do Rio. Mas o roteiro deste segundo vai mais fundo no problema social e político da cidade. Capitão Nascimento se vê envolvido em um esquema muito maior do que ele imaginava. O “Sistema” como ele mesmo diz. As milícias da PM extorquindo os moradores da favela, o dinheiro da corrupção sustentando campanhas políticas, deputados corruptos e assassinos, jornalistas assassinados e outras injustiças que afetam a população e os líderes honestos em vários níveis.

E se o roteiro é brilhante em abordar todas as facetas da corrupção do sistema, também acerta em investir no impacto emocional desse sistema na vida daquelas pessoas. Capitão Nascimento não consegue manter nenhum tipo de relacionamento pessoal mais profundo, visto que já tinha perdido seu casamento e agora não consegue manter seu filho por perto, o que o afeta profundamente. E até mesmo seu amigo Matias o considera um traidor. E a performance de Wagner Moura se mostra essencial para o sucesso do filme. Sem exibir um único sorriso ao longo de todo o filme, Nascimento é um homem totalmente dedicado ao seu trabalho e à causa por que luta. Ele carrega em seu próprio rosto o peso da vida que leva. E não só Moura se sai bem, do elenco. Todos oferecem performances muito intensas e eficientes.

E além de um roteiro complexo e profundo, ainda sobre tempo para as seqüências de ação, muito bem realizadas por Padilha e sua equipe. A cena de invasão da favela pelo BOPE é impressionante. A realização estética (movimentos de câmera e enquadramentos) e a montagem são dignos de qualquer filme da trilogia Bourne.

Aliás, o cuidado visual de Padilha com o filme é muito maior neste longa do que no de 2007. Sua câmera se mantém sempre trêmula durante os diálogos, mostrando a instabilidade daquelas vidas e trazendo um tom documental do filme, filmando as cenas mais simples e introspectivas com apenas uma câmera, que acompanha os personagens aonde eles vão. E o plano final impressiona pela qualidade e significado. Durante o depoimento do Capitão Nascimento na CPI, a câmera sai de um plano fechado no seu rosto e vai se afastando no salão num traveling pra trás que mostra todos os políticos no salão e os civis no fundo. Mostra como ele, Nascimento, apenas um indivíduo, estava envolvido em algo muito maior do que ele próprio.

O impacto social e emocional do filme ficam na mente depois que os créditos sobem na tela. Tropa de Elite 2 é um filme que deve ser visto, discutido e divulgado. Além de ótimo entretenimento e recheado de bordões e ótimos diálogos como o primeiro filme, tem grande importância política e social. Fico feliz em saber que a bilheteria já é umas das maiores de um filme nacional.

Nota: 10

À espera de um milagre (The Green mile)

2010-10-26T09:00:00.000-07:00

À espera de um milagre (The Green mile) - EUA - 1999

Direção: Frank Darabont

Roteiro: Frank Darabont, baseado no livro de Stephen King

John Coffey (Michael Clarke Duncan) é um homem negro, pobre, com mais de dois metros de altura condenado à morte pelo estupro e assassinato de duas meninas em 1935. Na cadeia à espera da sentença, ele conhece Paul Edgecomb (Tom Hanks), começa uma amizade e ambos acabam se ajudando, em grande parte devido ao miraculoso poder de cura de John, que ajuda Paul com sua séria infecção urinária e também porque um ajuda o outro a crescer enquanto pessoa. Diante disso, o policial Paul decide investigar a fundo o assassinato das garotas, por acreditar que John não é culpado, e ao mesmo tempo, arquiteta um plano para ajudar a esposa de seu melhor amigo que está com um tumor no cérebro a ser curada por John.

Depois de dirigir o maravilhoso Um sonho de liberdade em 1994, também baseado em um livro de Stephen King, Frank Darabont mais uma vez adapta uma obra de King com um resultado muito interessante. A história possui a mesma intensidade emocional do longa de 1994, conseguindo contar uma história forte, mesmo com seu tom fantasioso e sobrenatural, nunca deixamos de nos importar com os seus personagens e com as situações por que passam. A injustiça à que John está submetido, a falta de caráter e odiosidade do oficial protegido, a luta de um homem para salvar sua esposa, a jornada emocional e de crescimento pessoal pela qual Paul passa, o companheirismo de seus amigos, e um tema distante pra nós, mas que traz muita reflexão para nossa existência: a imortalidade e o que ela representaria para os seres humanos. Existem esses e tantos outros arcos dramáticos no longa, todos intensos e muito bem desenvolvidos.

As performances de Hanks e Duncan são o fio condutor da narrativa. O primeiro, intenso e extremamente talentoso, consegue exprimir sentimentos e reações apenas com os olhos. Duncan, por sua vez, encarna John com uma inocência e senso de caridade impressionantes. Ver um homem de dois metros de altura chorando compulsivamente poderia soar ridículo, mas não é. Os momentos em que John surge na tela são sempre ternos e sensíveis. É inevitável a simpatia imediata com o personagem. Todo o elenco quadjuvante tem seus momentos em tela e se sai muito bem.

Pra quem se interessa pelas adaptações cinematográficas das obras de Stephen King, vale conferir também, além deste À espera de um milagre e Um sonho de liberdade, O Nevoeiro de 2009, também dirigido por Frank Darabont.

Nota: 9

A queda - as últimas horas de Hitler (Der Untergang)

2010-10-26T06:37:00.000-07:00

A queda - as últimas horas de Hitler (Der Untergang) – Alemanha/Itália – 2004

Direção: Oliver Hirschbiegel

Roteiro: Bernd Eichinger, baseado no livro de Joachim Fest

Os russos tomam Berlim em abril de 1945 deixando o exército alemão em pânico. Mesmo sabendo que a derrota está próxima, Hitler (Bruno Ganz) e seus principais assessores planejam ações militares para eliminar o inimigo. O Führer está assustado, Eva Braun, sua namorada e depois esposa mantém a moral em alta dançando e cantando com os oficiais. Goebbels e sua mulher trazem os seis filhos na esperança de um milagre. O 3º Reich está com as horas contadas. A história é contada do ponto de vista da nova secretária do Führer, Traudl Junge (Alexandra Maria Lara), uma jovem de Munique, de 22 anos, alheia a ideais políticos, apenas feliz por estar servindo ao grande líder.

A roteiro de Eichinger e a direção de Hirschbiegel acertam por apostarem na sensibilidade emocional da história, além dos ideais políticos. O fato de grande parte do longa ser visto do ponto de vista da inocente Traudl colabora ainda mais para o impacto emocional do filme. A sua falta de engajamento político e até mesmo ingenuidade diante dos fatos que presenciava fazem com que sua personagem ganhe nossa simpatia, e ao mesmo tempo faz com que Hitler se torne humano aos nossos olhos, mesmo conhecendo toda sua história. E é aí que se destacam as performances do maravilhoso elenco. Bruno Ganz encarna Hitler com uma força e profundidade impressionantes, fazendo com que os momentos em que Hitler explode devido a sua situação crítica e às notícias que chegam sejam impressionantes e dignos de medo, e também os momentos em que ele exibe sua humanidade e até mesmo temor diante do inevitável. E acima de tudo, sua inabalável fidelidade aos seus ideais políticos, mesmo sendo abomináveis aos nossos olhos, sua firmeza até o fim é admirável.

O filme conta com um elenco de apoio admirável, ótimos figurinos e direção de arte que recriam os anos 40 de forma muito convincente. A fotografia e o cuidado de Hirschbiegel com a estética do filme também são impressionantes.

Todos esses adjetivos fazem com que A queda - as últimas horas de Hitler seja um filme importante do ponto de vista político e social e emocionalmente impactante.

Nota: 10

Orgulho e Preconceito (Minissérie da BBC – 1995)

2010-10-03T07:12:00.000-07:00

Direção: Simon Langton

Roteiro: Andrew Davies

Quem me conhece sabe da minha admiração pela obra da inglesa Jane Austen e o meu interesse nas adaptações cinematográficas ou televisivas de seus livros. Especialmente sua obra prima Orgulho e Preconceito.

Meu primeiro contato com a história de ódio e amor de Mr. Darcy e Elizabeth Bennet foi ao assistir o soberbo filme de 2005 dirigido por Joe Wright. Depois disso, comprei o livro e li. Em seguida, assisti ao filme mais algumas vezes, o que só fez crescer minha admiração pelo trabalho de Wright e sua equipe. Agora, acabo de assistir a cultuada minissérie de 1995 estrelada por Colin Firth e Jennifer Ehle. Achava que não ia gostar tanto quanto o filme, mas fiquei muito surpreso positivamente com o que vi, e comparações tornam-se desnecessárias, visto que o Cinema e a TV são mídias tão diferentes e exigem tratamentos do material original também diferentes.

O maior feito da minissérie e também do filme de 2005 foi conseguir capturar a alma e o tom exatos do livro de Austen, considerada a primeira romancista inglesa moderna. O livro, ao abordar a história de pessoas simples e comuns, com suas desventuras cotidianas em suas vidas sem sentido é uma grande crítica a sociedade e aos costumes da época. O humor é perspicaz, a construção dos relacionamentos muito bem estabelecida de forma racional, diferente do Romantismo e a análise e desenvolvimento da personalidade dos personagens é brilhante. Austen era uma grande observadora, como dizem.

Para os jovens rapazes em posse de uma boa fortuna, sua única preocupação na vida era administrar seu dinheiro herdado e conseguir uma boa esposa. Para as jovens moças, seu único propósito era encontrar esses rapazes. E para algumas mães, como no caso da hilária Sra. Bennet, conseguir casar suas cinco filhas solteiras. É em torno disso que Austen desenvolve sua história através do ponto de vista feminino (e porque não dizer feminista?), mostrando o pouco poder de escolha que as mulheres tinham na época, e como a felicidade no amor dependia tão pouco da vontade de suas heroínas.

A direção de arte da minissérie é impecável, com cenários maravilhosos e muito bem decorados com ótima reconstrução de época. As locações são incríveis (nunca vou me esquecer dos campos de Pemberley) e figurinos excelentes. A trilha sonora capta perfeitamente o espírito da Inglaterra Vitoriana. E não tem como falar das atuações de todo talentoso elenco, principalmente do casal protagonista. Firth e Ehle são os perfeitos Mr. Darcy e Elisabeth, sempre expressivos, carismáticos e convincentes.

O roteiro se mantém muito fiel ao livro e se desenvolve de forma fluída. A direção de Langton é impressionante, fazendo com que, às vezes, eu me esquecesse que estava assistindo a uma minissérie e não a um filme, com seus movimentos de câmera elegantes e inventivos (surpreendentes para uma produção televisiva) e sua agilidade em contar a história, sem deixar o ritmo e o interesse do espectador diminuirem em momento algum.

Por fim, a minissérie é uma obra de arte à altura da obra de Jane Austen. Como disse à minha irmã Natália: “Eu gostaria de ter eternos episódios semanais com essa qualidade artística sobre a vida daquelas pessoas para poder acompanhar. Seria ótimo.”

Nota: 10

Plano B (The back-up plan)

2010-09-13T07:35:00.000-07:00

Plano B (The back-up plan) – EUA – 2010

Direção: Alan Poul

Roteiro: Kate Angelo

Depois de muitos namoros mal sucedidos, Zoe (Jennifer Lopez) se cansa de esperar pelo cara certo e resolve fazer uma inseminação artificial com medo de perder a sua chance de ter filhos. O que ela não esperava era encontrar o amor de sua vida, Stan (Alex O'Loughlin) no mesmo dia em que engravida. É então que ela tem que lidar com a gravidez, as mudanças que ela traz, o início conturbado do namoro e a dúvida da aceitação ou não de Stan devido sua situação.

Como já disse antes aqui no blog, de comédias românticas o mundo está cheio, mas parece que sempre há espaço para mais uma. É o caso de Plano B. Não existe nada que se destaque muito no longa relacionado a premissa, narrativa ou originalidade. Mas o que faz com que eu tenha saído da sala de Cinema satisfeito com o que eu acabara de ver? Acho que a resposta é que esse é o típico fell good movie.

Mesmo não sendo original, a historinha é bem conduzida pelo roteiro e pela direção. Os conflitos entre o casal são bem desenvolvidos e plausíveis. Alguns momentos que me incomodaram foram cenas em que Poul tenta fazer comédia e que soam meio forçados, como o cachorro que come o teste de gravidez, e a cena do parto de uma colega de grupo de Zoe que tinha tudo para ser hilária, mas acaba sendo de mau gosto.

O charme do filme fica por conta mesmo dos protagonistas. Jennifer Lopez, normalmente inexpressiva, aqui exibe um carisma e um talento para comédia que eu nunca vi antes em seus filmes. E o novato Alex O'Loughlin, desconhecido pra mim é o perfeito galã desse tipo de filme: bonito, engraçado e romântico.

Com um desfecho previsível que deixa os espectadores satisfeitos, Plano B é uma boa opção para diversão sem compromisso.

Nota: 7